BROKEN FLOWERS

Broken Flowers es una película que tenía ganas de ver hace como 1 año cuando se estrenó en Estados Unidos. Se demoró mucho en llegar y al fin la ví, después de haber escuchado muchas críticas, tanto muy positivas como muy negativos. No había término medio. A mi me pareció de un nivel excelente. Es cine puro, cine de autor del más refinado que hay. Limpio. Jim Jarmusch como siempre se luce como uno de los más grandes directores de cine de autor del último tiempo. Su cine es tan impecable como característico. Único.
La película es protagonizada por Bill Murray y tiene un reparto con actrices sólidas, muy talentosas, grandes actrices. Me refiero a Frances Conrad, Julie Delpy, Sharon Stone, Jeffrey Wright, Jessica Lange, Tilda Swinton, etc.
La historia comienza cuando el personaje de Julie Delpy deja a su pareja, Bill Murray y éste queda impávido. En ese momento le llega una carta anónima que dice que tiene un hijo de 19 años y su vecino (Wright) lo convence que salga a buscarlo, que vuelva a cada una de las mujeres con las que estuvo en esa época, para descubrir quien es la madre, para encontrar a este hijo misterioso.
Toda la película es de búsqueda, de salir al mundo a encontrar el pasado oculto. Y está dividido en episodios, muy al estilo de Jarmusch, con fundidos a negro, entre encuentro y encuentro con cada una de estas mujeres.
El viaje es al ritmo de Bill Murray, o sea del personaje que interpreta, pero lamentablemente, y único gran error, es que sea el mismo personaje que ha interpretado en sus últimas películas. Personajes lentos, medio somnolientos, un tanto desalentadores, y medio amargados. Este es un error porque hace que la película se asemeje a Lost in Translation, donde Murray era lo mismo.
Aparte de eso esta película tiene un gran elemento que es la estructura dramática, muy bien lograda y que a pesar de lo lento que es todo, no se hace lenta y no decae.
La dirección de arte me encantó. La ambientación está buenísima y refleja muy bien el mundo de los personajes y se requiere que sea a éste nivel por la importancia que tiene descubrir el pasado de los personajes a través del mundo en que viven, de sus casas, de sus barrios, de sus objetos, su vestuario, etc. Eso esá muy bien trabajado y es un gran aporte a la película.
El final es desconcertante y no me lo imaginé. Me gustó que fuera tan extraño. Pero tiene mucho que ver con el cine de Jarmusch y con el nivel de esta película. Un gran aporte al cine actual.

ELVIS

Elvis es una película hecha para la televisión en Estados Unidos, el año 2005. Protagonizada por el nuevo genio de la actuación Jonathan Rhys Meyers como Elvis y dirigida por James Steven Sadwith. El resto del elenco es igualmente o más destacable. La madre de Elvis es intepretada por la gran Camryn Manheim, y padre es Randy Quaid, por nombrar algunos.
La trama se centra en la vida de este famoso cantante de rock. Es una biografía de la vida de Elvis desde sus 18 años hasta los 33. La historia comienza cuando este joven de Memphis empieza a buscar su camino en la música, hasta que como todo cantante, es rechazado varias veces hasta que aparece el gran manager que lo descubre y lo lleva a la cima del éxito. Luego viene el típico descenso, y el caos, las drogas, las mujeres y el mayor dolor de su vida, la muerte de su madre. Para luego caer y tocar fondo.
No es ninguna novedad, sobre todo conociendo lo que todos sabemos de la vida del gran Elvis Presley pero esta película logra elementos muy interesantes y tiene un punto de vista muy objetivo. Muestra a Elvis tanto en su máximo esplendor, como en su peor momento. Y eso no siempre está bien logrado en biografías. Generalmente las películas sobre ídolos los muestran como dioses o simplemente como personas débiles y destrozadas. En esta película se muestra todo. Lo bueno, lo malo y lo feo. Lo que todas las personas tenemos, por lo que puedo destacar lo que esta película quiere mostrar, que Elvis era un ser humano, que le fue extremadamente bien, pero también que tuvo que pasar por mucho y lo pasó muy mal. Que era una muy buena persona, a veces muy querible, pero otras veces, sobrellevado por la fama y siendo un hombre violento, agresivo y un tanto desequilibrado.

Es una película muy humana, muy realista, y muy bien ambientada y personificada.
Dura un poco más de 3 horas pero no se hacen sentir, porque tiene un muy buen ritmo, y como abarca tanto, y tiene tantas subhistorias, que se hace aún más entretenida. De repente hasta se podría hacer una serie sobre los distintos episodios de la vida de Elvis. Hay tanto que se puede subdividir en capítulos, si se quisiera.
Esta película resume muy bien esos 15 años de la vida de Elvis. 15 años en 3 horas, no está nada de mal.

LA NIÑA SANTA

La Niña Santa es la segunda película de la directora argentina Lucrecia Martel, desués de La Ciénaga. Con esto confirma que su cine es cine de autor ya que su mano está presente totalmente. Ella tiene un estilo muy especial para hacer cine, además de no sólo dirigir, ya que también escribe los guiones.

Ambas películas tienen muchas similitudes, pero también hay diferencias.
La Niña Santa es sobre una chica adolescente que vive junto a su mamá en un hotel de pueblo, del cual es dueña. Durante unos días se realiza un seminario de medicina en el hotel, por lo que se llena de médicos y gente ligada al mundo de la medicina. En eso la joven llamada Amalia se empieza a obsesionar con uno de los médicos que se aloja en el hotel, mientras su madre lo ayuda en una representación que se va a hacer al final del seminario. Por lo que las dos historias corren paralelas y se va mostrando como estas dos mujeres de distintas generaciones se ven atraídas por este hombre misterioso, que además está casado y tiene hijos.
La historia es muy sutil y no hay mayores evidencias de lo que está pasando ya que los diálogos son muy extraídos, muy estilo Martel.
En este caso hay más acercamiento a los personajes lo que provoca una mayor identificación. Uno puede llegar a sentir algo por estas mujeres que viven en mundos muy especiales. Hay más primeros planos y hay un marcado protagonismo, a diferencia de La Ciénaga que era más coral.
En esta película hay un personaje secundario que a mí gusto se roba la película. Me refiero a la amiga de Amalia, Josefina, que juega un rol importantísimo en la historia y que lleva una carga emocional muy fuerte y a la que le están pasando muchas cosas mientras hace de cómplice de las obsesiones de Amalia.
Esta es una película que no tiene mucho ritmo, y se hace bastante lenta. Pero como siempre es destacabla el final que tiene muchas semejanzas al de la ópera prima de la Martel. Creo que con finales tan bien logrados se puede arreglar una película que le falta fuerza y ritmo. Pero creo que los erros de la primera están bastante más solucionados en ésta y en su totalidad creo que es una obra más completa.
Siento que el cine de Lucrecia Martel, más que buen cine, es buen cine de autor y eso es lo destacable.

TINTA ROJA

Tinta Roja es una película peruana dirigida por Francisco Lomabradi (Pantaleón y las Visitadoras) y adapatada por Giovanna Pollarolo de la novela chilena del mismo nombre escrita por Alberto Fuguet.
Leí la novela hace unos 3 años atrás, pero recuerdo que me encantó, tanto como las otras novelas de Fuguet. Me la leí rapidísimo y la disfruté mucho. Tal como la película. Tienen muchas semejanzas pero también hay diferencias, propias de una adaptación a cine.
La historia de la película es sobre un joven llamado Alfonso Fernández, que entra a hacer la práctica de periodismo al diario El Clamor y lo destinan a la sección de crónica roja. Este periodista tiene como objetivo titularse para ganarse una beca para ir a estudiar literatura a Europa, por lo que la sección de policiales de un diario sensacionalista no es lo que más le llama la atención. Pero tiene que hacerlo, y se tiene que meter en este mundo fuerte, dramático, trágico pero mantendiendo la cabeza fría para poder escribir las columnas lo más profesionalmente posible.
El jefe de Alfonso es Saúl Faúndez, un hombre con una larga trayectoria en esta sección del diario, que odia a los alumnos en práctica y les hace la vida imposible, hasta que se enfrenta a Alfonso y comienza una relación muy especial entre ellos. Una especie de alumno-profesor, empleado-jefe e incluso hijo-padre. Un gran personaje.
Mientras Alfonso va aprendiendo de periodismo y de la vida con Saúl, éste jefe va aprendiendo de valores, talento y fraternidad de Alfonso, y esa relación es la que finalmente los hace crecer como personas, como seres humanos con defectos y virtudes.
La película refleja muy bien el mundo del periodismo amarillo, ese periodismo oscuro, un tanto turbio, pero un periodismo que enseña mucho sobre ética y moral, y sobre las tragedias del ser humano.
Es una película muy bien lograda, con una dirección impecable. Fácilmente se podría haber hecho en Chile, pero que se hizo en Perú. Y el cine peruano, sobre todo el de Lombardi, merece reconocimiento.
El final se les va un poco de las manos, y claramente la adaptación se le complicó un poco a la guionista, porque pareciera terminar con un desajuste donde se insertan otras temáticas y pareciera otra película. En el fondo, ese largo final, extendido, era innecesario, y puede que eliminando ciertos elementos podría haber terminado más redondeado.
La película entretiene y entrega mucho. Tiene todos los elementos claves para que una película funcione. Tiene buenos actores, una sólida historia, un tema entretenido, y una muy buena realización. Es un cine muy interesante y bastante bien logrado.

LA CIÉNAGA

La Ciénaga es una película argentina dirigida por Lucrecia Martel. Fue realizada en el año 2001 y filmada en la región de Salta, al norte de Argentina, lugar de donde proviene su directora. Este no es un hecho aislado, ya que no sólo ella dirigió la película sino que la escribió. Y la historia tiene mucho que ver con la historia de Salta. Esto lleva a que sea un cine argentino muy distinto al que estamos acostumbrados a ver, en Buenos Aires o en grandes ciudades.

La película es sobre dos familias que están emparentadas, que viven más o menos cerca y pasan un verano en casa. Mientras están todos en la piscina, la madre de una de las familias se cae mientras está un poco borracha, y se corta con los vidrios de la copa, por lo que se ve obligada a quedarse en reposo por mucho tiempo, mientras la familia deambula por la casa durante este interminable y lánguido verano. La otra familia es diferente, y lo que va pasando entre los distintos personajes de ambas familias durante un tiempo prácticamente muerto, es lo que compone la historia. Es decir, no pasa mucho.
Es una película coral, es decir, son varios personajes los que van armando la historia. Pero al mismo tiempo, no hay mucha historia que contar, sólo como van sucediendo las cosas en una familia bastante plana, y otra que tiene las cosas un poco más ordenadas.
Es una película que tiene mucho diálogo trivial, lo que parece casi improvizado, y no cuenta con efectos adicionales ni de montaje ni de música incidental. Los sonidos son los que suenan en directo y los planos son casi todos generales, o abiertos. Prácticamente no existen los primeros planos.
Lo que de verdad llama la atención es el estilo único que tiene esta directora para narrar. Es muy especial, y muy personal, eso se nota. Pero al mismo tiempo, la languidez de la historia con largos planos y sin mucha acción y ritmo en el montaje, hace que se haga un poco tediosa y larga. Esto puede que a muchos les afecte y puede que incluso les llegue a molestar como espectador al ver esta película. Pero todo tiene un por qué y eso me quedó más claro con la explicación y análisis que dio Lucrecia Martel, que me dejó bastante más satisfecha. Después de escuchar su punto de vista sobre las cosas, sobre la vida y sobre el cine entendí por qué y cómo quiso contar esta historia. Y eso me convenció mucho más.
Esto me deja como mensaje que el cine de autor es otro mundo, y es algo que va mucho más allá, pero a la vez, requiere entender al director, al autor, para poder disfrutar y comprender su cine. Por eso puede ser algo muy negativo en el sentido que el cine es para disfrutarlo mientras uno lo ve, no después de que analiza y entiende al director en sus formas, pero por otro lado es un cine que requiere de un esfuerzo mayor de parte del espectador, y una inteligencia especial para maravillarse con este arte. Eso siento que fue lo que me pasó porque la disfruté mucho más cuando escuché a la Martel hablar sobre su cine, que al ver la película.
Y eso es un gran desafío.

FOUR FRIENDS

Four Friends es una película norteamericana dirigida por Arthut Penn (Bonnie and Clyde) filmada en 1981. Pareciera que fuese más antigua (quizás porque la tuve q ver en VHS y hace tiempo que no veía nada en ese formato) por la factura. pero también porque comienza la historia cuando el protagonista, Danilo, es un niño y llega a Estados Unidos proveniente de Yugloslavia. Luego la historia salta a los últimos años de colegio donde Danilo es parte de un grupo de 4 amigos. Son tres hombres y una mujer, Georgia, de quien los tres están enamorados. Después la historia se va saltando unos años para ir contando la historia de estos cuatro amigos a medida que pasan los años hasta que son adultos. Todo esto rodeado de un ambiente que describe muy bien a una sociedad norteamericana de los años 60, donde las represiones y sueños de los adolescentes son temas que están sucediendo.
Los temas que trata Penn son los sueños e ideales de los jóvenes, la amistad y el amor imposible. Cada uno de estos jóvenes tiene sus propios sueños, sueños que tienen que ver con sus futuros, con sus vidas pero también con Georgia, una mujer muy soñadora y muy rebelde, para su época.
A mi en general no me gustó mucho la película porque siento que se podría haber involucrado aún más en lo del amor idealizado que tres amigos sienten por una misma mujer, que más encima es "amiga". Es un gran tema pero siento que no está tratado tan intensamente. Siento que es más una mirada de un director de lo que está pasando con los jóvenes idealistas norteamericanos que sueñan, pero no necesariamente que sueñan por el amor. El punto de vista es el de Danilo, el outsider, el inmigrante que es lejos el más luchador y el que más mal lo pasa. Hay ciertos momentos en la historia donde está presente la más pura tragedia, pero no da esa sensación. Es muy extraño lo que pasa.
Lo que creo que fue lo que más me molestó eran los saltos en el tiempo. Creo que no están muy claros y de repente cuesta entender dónde y cuándo está sucediendo la historia.

Ninguno de los actores es muy conocido y siento que le falta carácter a las interpretaciones.
En el fondo siento que es una película que marcó una época, sobre todo por la relevancia que tiene Arthur Penn en el cine mundial, pero no la veo como una obra genial.