galia bogolasky

LA CIENCIA DEL SUEÑO

2008-11-20T12:40:00.000-08:00

La Ciencia del Sueño (The Science of Sleep, 2006) es la más reciente realización del gran Michel Gondry, director francés que se hizo mundialmente conocido y reconocido por su última película “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”.
Al igual que en su anterior producción, Gondry logra crear un mundo mágico y especial, que se mueve constantemente entre la realidad y la fantasía.
En ésta película va un poco más allá en el sentido de la locura pero no logra tener la intensidad de Eterno Resplandor. Hay muchas similitudes pero también se diferencian en el concepto de fondo. Lo bueno de todo esto es que Gondry logra poner su sello, y marcar un estilo en su cine. Se aprecia su mano y se puede decir, sin problemas, que el cine de Gondry es cine de autor.
La Ciencia del Sueño es una película Francesa/Norteamericana, protagonizada por un Mexicano, el latino más famoso del momento, Gael García Bernal. Lo acompaña un elenco francés encabezado por la cantante Charlotte Gainsbourg que le da un toque perfecto de tipo cine independiente.
La historia se centra en el extraño mundo de Stephane (García Bernal) que luego de la muerte de su padre en México, viaja a Francia a pedido de su madre. Ella lo convence con una oferta de trabajo, que termina siendo cualquier cosa menos lo que Stephane se imaginaba. El es un diseñador gráfico que transita en el mundo de las grandes ideas, de la creatividad y de la imaginación desbordante, pero termina en una oficina en decadencia, con un grupo de empleados freaks, un jefe freak y la pega más insignificante posible. Pero mientras va realizando sus labores su cabeza da vueltas y su mundo de ideas pasan a ser su realidad y el límite cada vez se va poniendo más difuso.
En el camino conoce a una mujer, llamada Stephanie, que, en un principio, no le causa mucha impresión, pero cuando se va dando cuenta que sus mundos son muy similares y que sus cabezas funcionan de la misma manera, todo se vuelve muy romántico, a pesar de que no les es fácil concretar su relación. La mejor manera de demostrar que son iguales es a través de su nombre, algo tan simple, pero que dice mucho.
Todo se vuelve muy infantil entre ellos, cuando van haciendo realidad sus ideas y cuando sus fantasías se van llevando a cabo.
La película se mueve entre varios mundos paralelos, entre lo que está sucediendo de verdad y lo que va pasando por la mente y los sueños de Stephane. La manera en que sus sueños se ven es con elementos muy simples, como cartón, papel celofán, algodón y deshechos, pero todo va cobrando vida a través de un formato de animación digital muy interesante. Todo a través de una postproducción muy bien lograda y con una propuesta innovadora.
Al igual que en “Eterno Resplandor”, Gondry logra crear atmósferas muy especiales, pero todo gracias a la solidez del guión, también escrito por él.
Sus ideas son muy voladas pero lo interesante es la manera que las concreta visualmente usando elementos interesantísimos como en este caso, que logran crear un mundo único y muy original. Por lo menos yo no había visto una propuesta tan ambiciosa conceptualmente lograda de manera tan espectacular.
Las películas que tienen mucha fantasía tienen el problema de caer en lo absurdo o en la infantil, pero en éste caso, crea un mundo artístico muy novedoso que te hace soñar, como si de verdad estuvieras soñando, sintiendo las sensaciones que quizás están sintiendo los personajes. Todo se vuelve muy loco. Como si los personajes se hubiesen quedado pegados cuando niños y nunca llegaron a la adultez.
Es una película muy esquizofrénica, partiendo por sus personajes, pasando por la ambientación y terminando con la idea central de la historia que tiene que ver precisamente con eso. ¿Será posible que nuestros sueños nos terminen volviendo loco y nos hacen perder un poco el sentido de la realidad?
Yo creo que lo que plantea esta película es eso, es hacernos pensar en cómo vemos nuestros mundos, cómo percibimos lo que nos está pasando y hasta qué punto nuestros sueños nos llevan a crear mundos paralelos.
Creo que “La Ciencia del Sueño” es una propuesta interesantísima que logra crear mundos y sensaciones y nos lleva a pensar un poco más allá, aunque sea por un momento.

EL GRAN FINAL

2008-11-20T12:39:00.000-08:00

El otro día salí a comer con unas amigas y empezaron a hablar del final de “Into the Wild”, la última película de Sean Penn. Para no arruinarme el final, lo comentaron cuando fui al baño, y cuando volví me fijé en sus caras y me sorprendió el efecto que les produjo.
Yo la tenía en DVD en mi casa y apenas llegué la vi, porque estaba metida con el tan comentado final. Nunca pensé que iba a ser tan fuerte y angustioso. Ellas tenían razón. Había que comentarlo. La historia está basada en una historia real, por lo que el final trágico, de verdad ocurrió. Eso lo hace aún más angustiante. Cuando uno piensa que esas cosas de verdad pasan en la vida, y alguien vivió lo que interpretó el personaje, uno no puede dejar de pensar en nuestros propios finales.
Los finales en la vida son tristes. Cuando uno termina una relación de pareja es desagradable, aunque uno tenga claro que es lo mejor. Cuando uno finaliza un ciclo o un proceso también es fuerte. En la vida cuando le ponemos fin a algo, viene otra etapa, y uno empieza a vivir un proceso de cambio.
En el cine el final es el final. No hay cambios, no hay que lidiar con lo que viene. Por eso es tan importante el final de cada película, ya que el final es lo último que queda. Si está bien logrado y si la película es buena, lo vamos a recordar. Para los realizadores es un gran desafío. El desafío de lograr el mejor final. ¿Cuál es el mejor final? ¿El final feliz, ó el final intenso, emotivo, sorpresivo?
Cada vez se hace más complicado crear finales distintos, poco predecibles, originales, que impresionen, que cierre la historia. Uno tiende a criticar que las comedias románticas siempre terminan igual, con el final feliz, la pareja se casa y todos son felices, o en las películas de acción donde el malo muere y el bueno obtiene lo que quiere.
Las películas con buenos finales, que no quiere decir necesariamente que sean finales felices, son escasas, por eso me voy a referir a algunos casos que me han llamado la atención y dónde el final es clave en la historia.
Uno de los finales más extraños que he visto últimamente es “No Country for Old Men” de los hermanos Cohen. La verdad es que la película no me gustó y nunca entendí porqué se ganó el Oscar, pero aparte de mi apreciación personal, encuentro que el final es lo más bizarro que he visto en mucho tiempo. Termina con una conversación entre un policía y su señora. De la nada la película termina, sin haber concluido como suele suceder en una película. Es como que le faltara una parte, hasta el nivel de pensar que se me echó a perder el DVD o algo. Totalmente incomprensible, pero eso no quita que sea una manera original de finalizar una historia.
Cómo olvidar el final de The Sixth Sense, un final que pasó a ser un clásico por lo sorpresivo (el sicólogo que trataba al niño que veía muertos, estaba realmente muerto) ó el de la clásica Thelma y Louise, cuando las fugitivas interpretadas por Susan Sarandon y Geena Davis, al ser perseguidas por la policía, en vez de entregarse, aceleran el auto y se lanzan por un precipicio. Final impresionante y nunca olvidado.
En películas de suspenso, el final es un elemento clave. Es el caso de Seven, con un final espeluznante (la cabeza de Gwyneth Paltrow dentro de la caja representando el último pecado capital) ó en The Usual Suspects, cuando aparece el asesino interpretado por el notable Kevin Spacey, mostrando las manos sin huellas digitales.
Otro caso notable es la gran “Match Point” de Woody Allen que logra en el final un excelente enganche con el tenis, haciendo una metáfora con el punto de partido y el factor suerte. Notable.
Hay finales que son conmovedores, que te hacen llorar y que hace que se te paren los pelos. Una película con la que me pasó eso y que suelo recordar por el emotivo final es “Billy Elliot” donde muestra al niño de adulto bailando ballet en un teatro lleno de gente, con su padre orgulloso y emocionado en el público, después de que había rechazado la opción de su hijo de convertirse en bailarín de ballet. Preciosa escena y excelentemente lograda.
Dentro del género romántico hay escenas que están presentes en mi memoria y que no puedo dejar de mencionar. Por ejemplo en el final de “The Bridges of Maddison County”, cuando el personaje de Meryl Streep, después de vivir un intenso affair con el personaje de Cint Eastwood, y se dejan de ver por un tiempo, ella lo ve mientras maneja su camioneta por el pueblo. Agarra la manilla de la camioneta mientras tiene que tomar la decisión de su vida: se va con su amante o sigue su vida con su marido e hijos. Gran decisión y gran final. Al verlo lo único que uno quiere es que abra la maldita puerta de la camioneta y llame a Clint. El no la ve y ella finalmente sigue su camino dejándolo en el pasado.
Por último quiero mencionar una película que tiene un final abierto: Before Sunset, la secuela de Before Sunrise de Richard Linklater. Después de 9 años que se estrenó Before Sunrise, y dónde los personajes quedan de juntarse al año siguiente en una estación en Viena, en Before Sunrise estos personajes se encuentran en París y pasan un día juntos, recordando lo que vivieron 9 años atrás. Tienen poco tiempo para estar juntos, y al final el personaje de Ethan Hawke va a la casa de Julie Delpy y ella le canta un vals mientras toca la guitarra. Ella le pregunta por su vuelo, y ahí termina la película, sin saber si se va o se queda con ella. En este caso lo único que quiero es que no tengan que pasar 9 años para que se vuelvan a juntar.
Son muchas las expectativas que se ponen el final de una película ya que la diferencia entre un final feliz y uno no feliz es demasiado importante en el cine. Uno siempre está esperando el final feliz, aunque a veces la sorpresa puede ser más atractiva y generalmente esa sorpresa se produce al quebrar la expectativa del final feliz, con una vuelta de tuerca y creando un término de la historia distinto, inesperado, con intensidad dramática.
Es como lo que nos pasa en nuestra vida real, ya que uno siempre está tratando que las cosas terminen bien, y no siempre obtenemos nuestro final feliz.

EL ETERNO IMPOSIBLE

2008-11-20T12:38:00.000-08:00

Hay veces en que uno se da cuenta cuando algo es imposible.
Cuando tenía 10 años descubrí a un niño en el colegio que me gustó altiro. Lo miré mucho y sentí que había algo, él tenía algo especial. Yo lo miraba y lo miraba y nunca me atreví a hablarle.
Pasaron los años y seguí mirándolo y me seguía gustando. Un día, en los pasillos del colegio, cruzamos miradas, pero fue muy raro, porque cuando vi que me estaba mirando, el miró para otro lado. Después yo miré para otro lado, y él se volvió a mirarme nuevamente y apenas lo vi me di vuelta y así estuvimos mucho rato, mirándonos esquivamente.
Años más tarde fui al cine a ver “Antes del amanecer” de Richard Linklater, con Ethan Hawcke y Julie Delpy. Ellos son dos desconocidos que se topan en un tren en Viena y deciden continuar el viaje juntos. Se enamoran y se tienen que separar. Un romance corto pero intenso.
Hay una escena de la película que me hizo recordar a este niño que yo miraba en el colegio, porque fue justo lo que nos pasó esa vez en el pasillo. Ethan y Julie están en una disquería escuchando música en un cubículo con audífonos, y de repente él la mira y cuando ella nota que la está mirando mira para el lado, luego ella lo mira a él y el hace lo mismo, y eso se repite muchas veces. Fue lo mismo que me pasó a mí con ese niño. Las miradas entrecruzadas, intensas por segundos, y tratando de disimular todo el rato. Evitando el contacto visual que se torna inevitable.
Años después vi la película chilena “En La Cama” de Matías Bize, con Blanca Lewin y Gonzalo Valenzuela. Nuevamente se repite una pareja que tiene un romance intenso pero corto. Ella se va a casar y él se va a Barcelona a vivir. Se enamoran pero se dan cuenta que no pueden estar juntos.
Ambos están en la cama y él la mira, y cuando ella se da cuenta él mira para el lado. Después ella lo mira y cuando él se da cuenta ella mira para el lado y así varias veces, evitando ser descubiertos. Me recordó de inmediato la escena de la disquería de “Antes del amanecer” y la escena que yo viví con este niño en el pasillo del colegio.
Un tiempo después tuve la oportunidad de conocer a Matías Bize y le pregunté sobre la escena de la disquería, si tenía alguna relación con la de “Antes del amanecer” y efectivamente sí, me dijo que había sido una influencia directa y que era una copia, literalmente, porque le había encantado esa escena y siempre había pensado en incluirla de alguna manera en su película.
Todo eso me hizo mucho sentido. Llegué a la conclusión que esa pequeña situación que viví cuando chica, era algo que perduraría años en mi memoria y que sería recordada justamente en dos de mis películas favoritas. Del cine independiente gringo “Antes del amanecer” y de las películas chilenas, en “En la cama”. Y lo que tienen en común es justamente el eterno imposible. Esos amores intensos pero que por razones “x” nunca perduran. A mí no me resultó con el chico del colegio, a Julie no le resultó con Ethan y a Blanca no le resultó con Gonzalo. Quizás lo más bonito no dura eternamente.

¿CHILE ES FELIZ?

2008-11-20T12:35:00.000-08:00

Ahora que se acaban de cumplir los 20 años del plebiscito, uno de los temas que ha salido más en los debates, análisis, columnas, artículos de prensa, etc., no es el tema político en sí, ni económico en sí, sino que el gran tema que nos preocupa a los chilenos es la felicidad. La gran pregunta que nos hacemos todos es: ¿Hemos logrado ser felices los chilenos? El slogan de la campaña del No decía “Chile, la alegría ya viene” y ese ideal para muchos se fue al tacho de la basura. Muchos lo esperaron 20 años y ahora hay muchos que se están dando por vencidos.
Lo noto en la calle, en los tacos, incluso se respira en el aire. Los chilenos no somos felices. Chile está deprimido, está sin ganas, sin ideales por los que luchar. A pocos les queda ánimo para luchar y entre tanto problema, ya la política claramente no es lo que era hace 20 años atrás.
El cine chileno es un reflejo constante del ambiente que vive nuestra sociedad. Por muchos años, sobre todo post dictadura, todo el cine chilenos fue una explosión de contenido político. La mayoría de los autores quería decir lo que les prohibieron durante muchos años. Fue su medio de expresión, incluso muchas veces de protesta. El público incluso se llegó a saturar de tanta película política, y dejó de creer en el cine chileno porque hasta el año 2000 aproximadamente no había película chilena que no tuviera incorporado un tema político.
Luego apareció el Chacotero Sentimental y todo cambió. La gente volvió a las salas y apoyó al cine chileno en masas.
En el último tiempo, las producciones chilenas han aumentado significativamente tanto en número como en calidad y el público está cada vez más exigente.
Yo soy de las personas que apoya el cine chileno a morir. Las veo todas y éste último par de meses he ido a ver 3 cintas chilenas que tienen un tema en común y que creo que es digno de analizar. Las tres tratan el tema de la felicidad del chileno. Nunca antes había pasado que películas de distintos realizadores, que se estrenan con poco tiempo de diferencia, traten del mismo tema, y un tema tan candente, pero poco explícito. Me refiero a Tony Manero, La Buena Vida, y 199 Recetas para ser Feliz. La última es como obvio, ya que el título lo dice todo, pero las otras dos toman el tema y lo desarrollan de manera muy distinta.
Tony Manero es una película que venía con excelentes críticas, había estado en Cannes y tenía muchísima prensa. Fui con demasiada expectativa y quise darle otra oportunidad a Larraín, que después de ver Fuga, lo encontré un muy mal director. Pero pensé que había mejorado. Creo que fue demasiado inflado y su película no me gustó. Se trata de un personaje llamado Raúl Peralta que su sueño es convertirse en el personaje Tony Manero de la película “Fiebre de Sábado por la Noche” con John Travolta. El tema es que el personaje es un desquiciado que quiere ser alguien que representa la alegría a través del baile, pero eso nunca se logra. El personaje es depresivo, es triste y su objetivo no se entiende teniendo esas características. Es una película de personaje que no tiene desarrollo de personaje. El personaje está sumergido en un contexto político y social que lo hace hacer cometer crímenes horrorosos, pero que además quiere ser Tony Manero. Poco sólido encuentro. El baile de por si tiene que ver con la alegría y la felicidad, entonces ¿como se entiende que un personaje tan triste y tan amargado quiera ser como un personaje que representa la felicidad? ¿Si llegara a convertirse en Tony Manero, logrará la felicidad? Esa es la gran pregunta y a mi parecer no la lograría.
Por otro lado La Buena Vida es en sí una película sobre la búsqueda de la felicidad. Son varios personajes sumergidos en una ciudad gris y triste, que tratan de salir adelante y lograr sus objetivos. Pero en este caso, los personajes sí están bien construidos ya que tienen una lógica, una razón de ser y los objetivos están bien planteados. Se entiende por qué tienen ese nivel de tristeza en la mirada, y uno quisiera, como espectador, que a esos personajes les pase algo para salir de ese estado de melancolía. Andrés Wood sabe como hacerlo y lo logra. Es una película maravillosa, que es una radiografía de los chilenos, y cómo buscamos la felicidad. Para algunos la felicidad se obtiene con muy poco, para otros, con mucho, pero cada uno sabe qué hacer y cómo hacerlo, para obtener lo que queremos para estar felices.
En 199 Recetas para ser Feliz, se muestra la felicidad como una ironía, a través de un libro de autoayuda que edita el personaje protagónico, interpretado por Pablo Macaya. El personaje es un chileno que vive en Barcelona con su pareja y reciben la visita de la polola del cuñado. Los personajes están sumergidos en un mundo muy deprimente. Se vislumbra que no son felices, y a través de las recetas que se van intercalando en el relato, se hace una analogía con lo que es la felicidad, que claramente no es parte de sus vidas. Son personajes muy tristes que no saben que hacer al respecto y que creen que la llegada de esta mujer, los puede sacar del aburrimiento y la rutina. Pero, ¿logran ser felices?
La pregunta que me hago es: ¿Por qué tenemos esa necesidad tan grande de buscar la felicidad, y por qué es un tema tan importante actualmente que las últimas películas chilenas que han salido en cartelera se tratan de éste tema? Claramente es algo que a los chilenos nos preocupa, y eso se nota en nuestro cine actual. ¿Será algo de qué preocuparse, o es sólo una etapa?

THE MARCH OF THE PENGUINS

2006-11-21T11:59:00.000-08:00

La Marcha de los Pinguinos es un documental que fue alabado por la crítica a comienzos de este año, y que incluso ganó un Oscar. Dirigido por el francés Luc Jacquet y con el apoyo evidente de National Geographic.

Yo no soy fanática de los documentales de animales, y de frentón no veo ni Discovery ni ningún canal de documentales sobre animales. Aparte que no me gustan mucho los animales per se. Pero ésta película tiene algo que hace que los animales cobren más vida de la que yo espero de ellos, más humanidad, incluso pareciera que tuvieran emociones.
Bajo la narración de Morgan Freeman, se cuenta la historia de este grupo enorme de Pinguinos que viven en la Antártica. La historia es de cómo los pinguinos recorren el camino hacia el nacimiento y protección de sus críos, y muestra como se van enfrentando al frío y cómo se van protegiendo de las inclemencias del tiempo, pero por sobre todo cómo protegen a sus críos recién nacidos, mientras uno de los padres va en busca de alimento.
Es un documental que trata de contar una historia de sobrevivencia, pero que sin la ayuda de la narración, no seríamos capaces de entender mucho el sentido de la historia, pero lo que si se podría hacer es apreciar las tomas maravillosas que realiza el director, que se nota que es un documentalista talentoso, y con ojo muy fino, para captar detalles y llevar cada plano a un nivel impresionante.
En el fondo este documental, para mí, son las imágenes, la propuesta audiovisual, la belleza de los pinguinos captados con unos lentes buenísimos y llevados a imagen de manera perfecta. Obviamente la dirección de fotografía tiene que ver con esto, lo que creo que es el mayor logro de este docuemental y lo que lo hace diferenciarse del resto de los documentales de la National Geopraphic, que lo ha llevado a ganarse tantos premios y la aprobación de la crítica.

CABEZA DE OVNI

2006-11-18T13:39:00.000-08:00

Cabeza de Ovni es una obra de teatro que actualmente está en cartelera, dirigida y escrita por la actriz y dramaturga Manuela Oyarzún y protagonizada por Paula Bravo, Juan Pablo Miranda, Bégica Castro y Alejandro Sieveking.
La historia es sobre una joven (Paula Bravo) que cuida a dos abuelos enfermos de Alzheimer, mientras los va dopando con sus remedios, para ella escaparse y drogarse con su ezquizofrénico novio (Juan Pablo Miranda).
Por un lado cuida a una viejita que está enferma (Bélgica Castro) pero que trata de aferrarse a sus recuerdos y a su pasado. Por otro lado cuida a un viejito (Alejandro Sieveking) que fue médico y que extraña a su mujer e hijo, pero que también está en un estado complicado, un tanto agresivo.
El personaje de Paula Bravo es una mujer que trata de mantenerse fría y controlada frente a lo que está viviendo. Ella tiene que encargarse de estos viejitos que viven de su pasado, mientras su corazón está sufriendo por un hombre que la maltrata pero que ella no tiene como escapar, porque finalmente es lo único que tiene. Ella trata de no encariñarse con estos viejitos porque está consciente que se van a ir, y la van a dejar sola, y a eso ella le tiene un miedo enorme.
A pesar de que estos viejos no son sus abuelos, la relación que se va estableciendo entre ellos se va acercando mucho a la relación que tiene un nieto con su abuelo con Alzhemier, una enfermedad que hace sufrir mucho a los seres queridos que rodean a los enfermos, ya que el olvido y ese estado entre pasivo-agresivo es muy fuerte para los que tienen que cuidar a estos enfermos.
La obra se vuelve un tanto confusa en ciertos momentos sobre todo por el mismo tema del Alzheimer, las drogas y la poca estabilidad. En el fondo la confusión que están viviendo los personajes, se lleva a escena y se traspasa al espectador.
Lo que encontré excelente fue la escenografía. Hace mucho tiempo que no veía una obra donde la puesta en escena fuese un aporte tan importante para la historia, y como los objetos van cobrando tanta importancia y ayudan mucho al montaje. La escenografía se mueve, cambia, es totalmente funcional y muy futurista. Tiene mucho que ver con como va dando vueltas todo en la cabeza de los personajes y ese se ve reflejado en el escenario.
Las actuaciones son excelentes también, sobre todo la de la gran actriz Bélgica Castro. Ella es excepcional. Alejandro Sieveking también se luce, Paula Bravo siempre me ha gustado mucho, y creo que es una de las mejores actrices jóvenes de teatro que he visto últimamente, y por último Juan Pablo Miranda lo hace excelente con un personaje muy complejo, con muchos tics y muy potente. Fue un gran desafío, y me sorprendió, porque después de haberlo visto actuar en cine, no sabía con qué me iba a encontrar en teatro, pero de verdad que me gustó mucho.
Los textos de Manuela Oyarzún están muy bien logrados. Hay frases preciosas, otras muy potentes y la historia es muy interesante, pero creo que se vuelve muy confusa en ciertos momentos. También siento que la obra podría haberse centrado aún más en la relación de esta joven con la viejita que cuida, ya que esa relación es extraordinaria. Pero los personajes masculinos siento que pueden haber sido obviados fácilmente para poder potenciar la relación "nieta-abuela".
En general me gustó mucho la obra pero creo que tenía mucho potencial como historia pero el eje se movió un poco, por lo que no me llenó completamente.

PLAY

2006-11-16T15:11:00.000-08:00

Play es una película chilena que se estrenó después de haber recorrido varios festivales en el mundo y habiendo ganado el premio de mejor dirección en el famoso Festival Tribeca de Nueva York, para su directora Alicia Scherson. Se puede apreciar esto fácilmente ya que la dirección está demasiado bien lograda. Es una película de director, ya que lo audiovisual es fundamental.
La historia es de una joven mapuche (Viviana Herrera) que vive en Santiago, cuidando a un viejito enfermo, que un día encuentra en un basurero un maletín. Lo que sigue es su búsqueda por encontrar al dueño, pero cuando lo encuentra se da cuenta que quiere más. Ella se da cuenta que sus vidas tienen algo en común, algo que los une y sus caminos se empiezan a juntar, mientras la vida del dueño del maletín, Tristán (Andrés Ulloa) se empieza a desmoronar.
La historia se va narrando no sólo desde un punto de vista, desde un personaje, sino que de dos, mostrando las vidas paralelas y los cruces que se van produciendo. Se toma la vida de la joven mapuche, Cristina, y también la de Tristán y esa forma de narración es muy interesante.
Un elemento que juega un rol importantísimo en esta película es la música, de ahí el título. Al ser una película sin mucho diálogo, la música es un comunicador de emociones, ya que no sólo se utiliza incidentalmente, sino que está presente visualmente, a través del walkman que va escuchando Cristina, y la música que otros personajes escuchan en varias escenas. Hay una escena en especial que es maravillosa donde se hace un juego con el volumen, conectando el ambiente con el mundo interior del personaje (Cristina).
La imagen es preciosa, ya que en todo momento el mundo del personaje se refleja en el plano y todo lo que está ocurriendo con él por dentro se refleja muy bien sin necesidad de diálogo.
Siento que es una película muy intimista, con mucho aporte más allá de los básico, es un cine que busca algo más, una mayor exploración al mundo audiovisual con un gran aporte como obra cinematográfica.
Play es una película que está muy unida a esta nueva corriente de cine chileno, muy de autor, muy poco pretencioso, pero en su simplicidad está el arte. Me refiero a esta corriente que comenzó alrededor del 2004 con películas como Paréntesis, Y las Vacas Vuelan, y En La Cama.
Son películas hechas con muy poco pero que son capaces de llegar a mucho.

LA MUJER DE MI HERMANO

2006-11-13T15:09:00.000-08:00

La Mujer de mi Hermano es una película estrenada a comienzos de este año, dirigida por Ricardo de Montreuil y basada en el libro homónimo de Jaime Bayly. Es una coproducción Peruana, Mexicana y Chilena.
La historia es muy simple, es un típico triángulo amoroso como de teleserie pero centrado en su totalidad en los tres personajes protagónicos.
Bárbara Mori es Zoe, una mujer casada con un hombre muy exitoso, llamado Ignacio e interpretado por Christián Meier. Ellos tienen una relación muy complicada. El es un hombre de negocios, exitoso, con mucha plata, vanidoso e individualista y ella es la típica mujer estupenda, pero que no hace nada mucho con su vida, pero que sufre por que el no la pesca. A raíz de esa indiferencia aparece el hermano de Ignacio, Gonzalo (Manolo Cardona) que es justo lo opuesto y que le da toda la atención que ella necesita hasta que terminan involucrándose sentimentalmente. El es un pintor mantenido por su hermano, pero a pesar de que vive de su plata, lo detesta y tienen una relación bastante nociva. En el fondo la historia se basa en ese triángulo amoroso, y más que una historia de amor, es una historia de la carencia de afectos y la falta de comunicación y cariño. Obviamente después aparecen temas secundarios que aportan drama a esta historia pero sería eso.
El gran problema es que al ser basada en una novela, se queda muy pegada en eso, en el formato literario y desaprovecha demasiado los recursos cinematográficos. Como que dan ganas de leer el libro, más que de ver la película porque siento que como cine no aporta mucho. Se aprovechan muy poco las locaciones, no se utilizan mucho los recursos de iluminación, de arte, de actuaciones, ni menos de aportes audiovisuales en planos, tomas, etc. Es decir, el gran problema que tiene esta película es en dirección, ya que de Montreuil no aporta mucho en el área audiovisual y creo que se farreó una buena oportunidad para hacer lucir una historia que podría haber llegado a ser mucho más interesante como obra audiovisual. Sólo se queda en la literatura. Y para eso me leo el libro.
En Chile se hizo muy conocida ya que no sólo se filmaron algunas escenas en Santiago, sino que porque Beto Cuevas hace un personaje muy chico de un cura, con un cambio de look impresionante. Pero le dieron mucho a eso y de verdad que el personaje es mínimo. Ahí se nota el tema de la coproducción con Chile.
La Mujer de mi Hermano es una película que es interesante a partir de su origen pero su adaptación no remece. No es mala, pero siento que está demasiado desaprovechada.

EL HOMBRE QUE AMABA A LAS MUJERES

2006-10-29T13:26:00.000-08:00

"El hombre que amaba a las mujeres" es una película francesa de 1977 dirigida por el gran cineasta Francois Truffaut.
Es la historia de un hombre llamado Bertrand que tiene un problema: Ama a las mujeres. Aunque suene raro, el problema no es que ame a las mujeres, su problema es que las ama a todas pero a ninguna en particular. Lo importante es que sea mujer. Ni siquiera le importa tanto su belleza. Aunque él no es ninguna maravilla como hombre, pero tiene lo que a todas nos termina por gustar de un hombre, que sea seductor, coqueto, todo un galán. Él conoce a las mujeres, sabe como tratarlas. Y todas caen rendidas ante él en un segundo. No le cuesta nada. Todo es fácil para él. No se enamora de ninguna, así que cambia de mujer como cambia de zapatos.
Bertrand decide escribir un libro con sus historias así que la narración va intercalando su propia historia con la que el mismo va narrando y escribiendo para su libro, lo que da un tono literario y muy bonito audiovisualmente.
La dirección de fotografía está a cargo del eterno partner de Truffaut, Néstor Almendros, que es uno de los cinematógrafos más importantes del cine Europeo. Esta dupla es una de las más talentosas del cine mundial, y juntos hicieron mucho cine del bueno, del cine arte, literalmente.
Así que con esos nombres bajo esta película ya se tiene un buen elemento para enganchar.
El resto es impecable. El guión está muy bien escrito, con saltos del tiempo, con buenos diálogos y escenas precisas. Es muy bueno como se engancha el final con el principio, sobre todo porque se nota el progreso del personaje protagónico.
Es una gran película, con una historia que tiene mucho que ver con la clásica Don Juan pero que tiene elementos adicionales, muy buenos, sobro todo teniendo en cuenta que nadie se las da de lo que no es. Bertrand asume lo que le pasa y su manera como de hacer terapia frente a su obsesión es escribiendo y eso está muy bien logrado en la película.
Obviamente es indiscutible el talento de Truffaut, que hace que un personaje, que puede ser un tanto odiable, sobre todo para las mujeres, se pueda llegar a comprender. El tema es universal y eso está muy bien expresado y desarrollado.
Una gran película francesa clásica, recomendable para los que disfrutan del cine arte europeo.

SER DIGNO DE SER

2006-10-27T15:10:00.000-07:00

Ser digno de ser es una película estrenada este año y fue dirigida y escrita por Radu Mihaileanu. Es una coproducción franco-belga-ítalo-israelí. Es una gran producción con una historia potente, intensa pero maravillosa.
La historia comienza cuando un grupo de la Cruz Roja Israelí van a rescatar a judíos etíopes a Sudán. Una madre manda a su hijo a cargo de una mujer judía para salvarlo y el llega a Israel haciéndose pasar por un judío.
La película muestra toda la vida de este niño de alrededor de 10 años hasta que es un adulto y como se va integrando a la sociedad Israelí y al mundo judío, a pesar del gran nivel de racismo existente y los miles de prejuicios.
Es una película muy larga, no solo en duración de proyección sino que en tiempo narrado lo que hace que abarque mucho. Eso no quiere decir que no se desarrollan bien las temáticas, todo lo contrario, cada tema está desarrollado muy bien y todo está muy bien resuelto, donde el final es políticamente correcto, pero es precioso, se justifica.
Creo que es una película que refleja mucho lo que está pasando hoy en el mundo, con lo de la integración social, las discriminaciones, y la apertura.
El gran tema es el judaísmo pero desde un punto de vista muy interesante, algo que no había visto anteriormente en el cine, desde las minorías dentro de las minorías. No sólo el pueblo judío sufre de discriminación en el mundo, sino que a esto se suma la discriminación racial.
Pero también se muestra el otro lado de la moneda, me refiero al tema de la integración, del amor, de la felicidad, de lo lindo de la vida, de las cosas buenas y positivas que le pasan a la gente buena.
El personaje principal, el niño etíope, después adolescente y más tarde adulto, es un personaje demasiado querible, lo amé, me encariñé, lo encontré fascinante. Es de esos personajes inspiradores que se nota que logran las cosas siendo personas buenas y con mucho esfuerzo. Y creo que la manera como se va tratando su desarrollo tanto personal como emocional es espectacular. Eso está muy bien logrado ya que sigue una línea todo el tiempo.
El mayor logro de "Ser digno de ser" es lo que deja, los mensajes que entregan y el aporte que es como reflejo de los problemas universales, que están afectando a personas alrededor de todo el mundo.
Todos los actores son desconocidos para nosotros, pero son de un nivel muy bueno y los personajes o son muy odiables o muy queribles. Pero están todos muy bien construídos, a pesar de que el desafío de hacerlos crecer a través de los años es bien complejo pero se logra muy bien.
Creo que es una película que hay que ver, porque nos enseña a ser más abiertos y tolerantes y es un símbolo de lo que está pasando en el mundo y de los grandes avances que se han logrado a nivel de integración y ayuda a los más necesitados, a los que sufren de verdad.

WALK THE LINE

2006-10-23T19:55:00.000-07:00

Walk the Line, Johnny and June, es una película estrenada este año, dirigida por James Mangold, y que fue muy nominada a los Oscar 2006, dónde Reese Witherspoon ganó el Oscar a mejor actriz. En Chile no fue tan fuerte como en Estados Unidos donde la película tuvo mucho éxito. Es una biografía de la vida del cantante country Johnny Cash junto con su relación con la cantante June Carter.
El personaje de Cash es interpretado por el gran Joaquin Phoenix, y June Carter es interpretada por Witherspoon que se merecía el Oscar, porque está excelente.
La historia es muy parecida a la biografía de Elvis, con Johnathan Rhys Meyers, ya que no sólo tienen la misma estructura de narración, sino que además tienen locaciones y situaciones iguales, ya que Cash y Elvis nacieron del estudio Sun de Memphis e hicieron giras muy parecidas, lo que hace que las películas de ambos cantantes se terminen pareciendo mucho. La gran diferencia es que acá se agraga el componente femenino fuerte de una cantante que como personalidad es aún más potente que la de Johnny Cash. La película destaca en las escenas con June porque ella era una cantante muy especial, que tenía un cuento muy interesante y que en ésta película es un personaje secundario, de soporte, pero a veces es mucho más entretenido que el de Cash. Es la chica divertida, simpática, graciosa y la gran salvadora de Johnny, que producto de todo lo que acarrea la fama y sus propios conflictos se empieza a caer y ella está ahí para ser la gran compañera.
Como película tiene la típica estructura de las biografías, que hemos visto no sólo en Elvis, sino que también en Ray, la biografía de Ray Charles, protagonizada por Jamie Foxx. Con ésta película se parecen en el inicio, es decir, la detonante de las personalidad y conflictos profundos de estos músicos, que marcados por tragedias con sus hermanos en el campo, cuando chicos, tienen que salir adelante y llegan a la fama a pesar del dolor y la culpa que llevan siempre y que no se puede superar, a pesar del éxito y la fama. Esto pasa en estas dos películas lo que hace que mientras la historia transcurre, desde los inicios de estos personajes x, cuando comienzan su carrera hasta cuando logran fama mundial, las estructuras sean muy parecidas y ninguna de estas películas entrega nada muy nuevo ni especial que destacar.
Generalmente estas películas son para hacer destacar a sus protagonistas y lograr buenas interepretaciones de personajes que existieron y que las semejanzas en actitudes, gesto y físico son indispensables para lograr una buena película, como lo hace muy bien Joaquin Phoenix, pero que aparte de eso, no entregan nada nuevo ni nada que haga apreciar este tipo de cine en un nivel mayor.

ELIZABETHTOWN

2006-10-22T14:56:00.000-07:00

Elizabethtown es una comedia romántica estrenada este año en Chile, dirigida por el gran Cameron Crowe (Jerry Maguire, Almost Famous, Singles) y protagonizada por Kirsten Dunst y Orlando Bloom.
Lo primero es destacar como Crowe siempre es capaz de llevar una simple comedia romántica, a un nivel un poco superior, logrando mezclar cosas relacionadas con el cine independiente gringo, con un cine más comercial, pero agregando elementos que hacen que su cine se destaque siempre y sus películas sean prácticamente de culto.
Un factor al que me refiero es que sus guiones son siempre buenísimos, muy bien escritos, con diálogos increíbles, con personajes interesantes y con estructuras muy bien logradas. El otro elemento que hace que el cine de Crowe sea tan especial e inconfundible es el elemento musical. A Crowe le encanta la música, el rock, y por eso para él es importante al momento de contar una historia, lo que hace que cada escena logre una notoriedad gracias no sólo al aporte de los buenos diálogos y bonitas tomas, sino que al aporte de la música. El cine de Crowe no es nada sin la música, sin el rock. Aparte que me encanta su gusto, pero eso es algo más personal.
Otro elemento que puedo destacar es que los personajes están tan bien construídos, que las actuaciones siempre terminan por ser destacables, sobre todo en los personajes femeninos. El que interpreta Kirsten Dunst es adorable, un personaje medio loco, medio freak, pero querible, tal como fue el de Kate Hudson en Almost Famous. Lo raro acá fue ver a Orlando Bloom en el personaje del joven que se enfrenta al fracaso en el comienzo de su carrera y que es atrapado por una mujer que lo hace escapar de sus miedos y lo lleva a un mundo distinto para él. Nunca había visto a Bloom en un personaje de este tipo y me gustó, aunque no me volvió loca.
Lo que puedo decir es que "Elizabethtown" es una comedia romántica pero no es una más de las típicas livianitas que no te dejan nada aparte de un buen rato, ésta es una película que encontré interesante, entretenida y sobre todo con una historia de amor adorable. Me encantó. Este es el cine que me fascina, y Cameron Crowe para variar queda como ídolo del cine.

HOLLYWOOD ENDING

2006-10-21T15:44:00.000-07:00

Hollywood Ending es la última película que realizó Woody Allen en Estados Unidos. La razón fue que para la industria Hollywoodense era un insulto, una burla, una ofensa, así que fue prácticamente expulsado de Hollywood y se fue a filmar a Europa. En Inglaterra filmó la muy aclamada Match Point, que me imagino que debe haber sido un golpe duro para los ejecutivos gringos que no quisieron seguir produciendo el cine de Allen.

Es una comedia, pero que se rié principalmente del medio cinemaográfica.
Es la historia de un director de cine llamado Val , interpretado por Allen, que después de muchos fracasos, se le entrega la dirección de una película producida por la compañía del hombre que le robó a su señora, recomendado por ella. Este productor es interpretado muy bien por el gran Treat Williams y la ex de Val es interpretada por Tea Leoni, una actriz que para mi gusto está muy sobrevalorada. No le encuentro mayor gracia.
El cuento es que la película tiene que ser un éxito porque o sino la carrera de este director de cine se va a pique. Pero empiezan a pasar cosas que dificultan su realización.
Ojo con el guiño al que hice referencia sobre el cine gringo v/s el cine Europeo, al final con un muy buen remate.
La película es entretenida y tiene momentos muy divertidos, pero por sobre todo tiene la mano de Woody Allen que siempre logra hacer películas muy Woody Allen, y ésta no es una escepción.
A pesar de eso no es una gran película, pero claramente es más importante debido a lo que aconteció post estreno, con todas sus consecuencias, que por lo que es como película.
Igual yo encuentro una exageración todo lo que pasó, y no siento que la burla sea para tanto. De hecho los ejecutivos deberían aprender a reírse más de si mismos, o si no van a seguir perdiendo íconos del cine como el gran Woody Allen.

VÉRTIGO

2006-09-07T15:21:00.000-07:00

Vértigo es una de las películas más famosas en la historia del cine, realizada por el mayor cineasta de la historia del cine, Alfred Hitchcock.

Es una película construída bajo los lineamientos básicos del guión, todo muy clásico, pero a la vez muy bien contruído, con un comienzo con un buen desarrollo de los personajes, con un medio bien logrado y con un clímax y final notable, que ha llevado a esta película a ser uno de los mayores clásicos del cine de suspenso.
La historia es sobre un ex detective (James Stewart) que tiene una fobia horrible a la altura, que lo lleva a abandonar su trabajo, pero es contratado por un amigo para que siga a su señora (Kim Novak), que tiene conductas extrañas. El tiene que descubrir que es lo que de verdad le está pasando a esta mujer enigmática, misteriosa y muy atractiva para el, lo que lo lleva a caer rendido por ella y una cosa lleva a la otra y la historia va tomando unos caminos oscuros y se va construyendo una especie de segunda historia en la tercera parte de la película.
La forma es muy clásica, pero el fondo es lo novedoso y lo que hace que sea una película tan bien lograda, con una historia que incorpora bastantes elementos entretenidos como son el suspenso, la intriga, la traición, y el romance.
Hitchock es muy hábil para manejar el suspenso en sus películas, y en ésta lo logra muy bien. La historia se da una vuelta y deja al espectador muy intrigado y muy confundido lo que hace que se involucre en la trama y con los personajes. Hitchcock es un experto en el manejo del espectador y logra sus objetivos.
Al ser un clásico de fines de los 50, no se puede comparar con el ritmo de las películas de nuestro tiempo, de hoy en día, pero está tan bien manejada la tensión que se logra una especie de continuidad y progresión dramática muy interesante lo que provoca un enganche y una atención de parte del espectador hasta el final del largometraje.
El tema de la vulnerabilidad de un personaje que se las da de rudo, es muy interesante, y está trabajado muy bien a nivel de guión. Un hombre que ha trabajado de detective toda su vida pero que sufre un trauma muy fuerte, a raíz del vértigo, y que lo deja susceptible a sufrir accidentes mientras está trabajando, hace que sea un personaje muy especial, que juega entre los límites de la valentía y del miedo, lo que nos deja en evidencia que dentro de un cine tan clásico como era el cine en esa época, con personajes tan perfectos, que éste personaje interpretado por el gran James Stewart, es un personaje que permite que el espectador se sienta algo identificado con lo que le está pasando y lo hace ser un ser más real, más posible, más cercano.
Obviamente Vértigo es una película muy famosa y se merece el respeto que se ha ganado de todo el mundo en más de medio siglo, donde se continúa haciendo cine de suspenso, y a veces muy buen cine de suspenso, pero no hay nada como Hitchcock, y eso es algo que es difícil de negar.

MAMMA MIA!

2006-08-18T13:48:00.000-07:00

Mamma Mía! es un famoso musical que está presentándose en Broadway.
Lo vi la semana pasada en Nueva York y resultó ser un musical bien entretenido, con buena música y con mucho humor.

La historia es sobre una joven llamada Sophie que está a punto de casarse y mientras está con todos los preparativos del matrimonio, descubre que tiene 3 posibles padres y los invita a los 3 al matrimonio para descubrir cuál es y para que él sea el que la entregue. Mientras tanto su madre, Donna, se ve enfrentada a estos ex y con el apoyo de sus amigas de la época, va recordando su pasado de cantante.
La historia es bastante simple, pero como todo musical de Broadway, lo que importa es el conjunto, es la totalidad del espectáculo. Y esta obra si sabe combinar bien todos los elementos: buena música, baile y actuación.
Lo menos bueno es la actuación, pero no es tan importante en esta obra. Lo que más atrae es la música, que es del grupo ABBA, y donde se va desarrollando la historia con las canciones de este famoso grupo de los 70 de fondo, con entretenidas coreografías, un vestuario chillón y todo muy pomposo.
La obra dura casi tres horas en total con intermedio, pero el ritmo es rápido y no se percibe el tiempo.
Este es un musical muy fácil de digerir, con una historia muy simple, personajes amables, y por sobre todo, lo más importante es el gancho de la música del famoso grupo ABBA. Sin eso puede que la obra no haya tenido el éxito que está teniendo hasta el día de hoy, y que ha logrado permanecer por años.

HIERRO 3

2006-08-07T13:13:00.000-07:00

Hierro 3 es una película Coreana dirigida por Kim Ki-duk y protagonizada por Lee Seung-Yeon y Jae Hee.
La historia es sobre un hombre que va dejando flyers de pizzerías en las puertas de las casas y luego pasa a ver qué casas las retiraron, y las que no, es porque no hay nadie y entra. Pero no entra a robar ni a hacer daños, sino que entra y habita la casa. Vive, duerme, come, incluso hace el aseo y cuando se aburre se va. Pero todo cambia el día que entra a una casa y encuentra a una mujer maltratada, que no habla, y se la lleva. Luego ambos empiezan a vivir esto juntos, y obviamente se enamoran y todo muy romántico, pero lo más impresionante de todo, que ésta relación se establece sin decir una palabra, en toda la película.
Ahí nace la pregunta: ¿Puede haber amor sin comunicación?, o simplemente, ¿Es necesaria la comunicación verbal para que exista una verdadera comunicación entre dos personas, una conexión más profunda?. Con esta película me quedó clara que puede existir, que es algo muy intenso y profundo, y muy difícil de lograr, pero si uno analiza el comportamiento humano, puede llegar a entender que dos personas se unan por las circuntancias en las que se conocen y que puede existir algo que va más allá de las palabras.
Pero en el cine lograr eso es un verdadero desafío, y requiere de una ayuda fuerte de cada plano y si intencionalidad para que el espectador pueda sentir esa conexión y pueda involucrarse con los personajes, sus motivaciones, sentimientos e intenciones. Ese es el desafío que logró de manera escepcional Kim Ki Duk en esta película.
Todo es prolijo, todo es perfecto, muy típico del cine oriental, pero en éste caso es abrumador. Lo que pasa es esta película creo no hablerlo visto nunca. Cada elemento tiene su razón de estar, nada sobra, nada falta. Cada plano es una obra de arte, sobre todo el último que te da toda la información sobre todo con símbolos, y con algo totalmente relacionado con el desarrollo de la película. Si uno se quisiera referir al término complemento, no hay manera más delicada y clara que hacerlo a través de ese último plano: una pareja sobre una pesa con el marcador en cero.
En esta película podemos ver como la frase "una imagen vale más que mil palabras" es totalmente cierta y se puede aplicar en todas sus formas.
El arte en todas sus manifestaciones está presente en esta película de manera impecable, desde la dirección de arte, la dirección de fotografía, la música, incluso el guión. Esta película es lo que se puede llamar concientemente cine arte, en su máxima expresión.
Uno pudiese pensar que al no tener diálogos se puede hacer un poco lenta y fome, pero es todo lo contrario y eso es lo más increíble que pudo lograr este director coreano. Logró un ritmo en base a los planos y a la estructura del guión, que no dio espacios para desprendimientos. La conexión está presente todo el tiempo, no sólo entre los personajes, sino que entre el espectador y los personajes y entre todos los elementos presentes en esta película.
Un dato importante es que el nombre de la película, Hierro 3, se refiere al nombre del palo del golf que nunca se usa. Y eso es un gran dato para tener en cuenta, lo que hace que es título sea ideal para esta película.
El cine coreano está en su máximo esplendor y ésta es una excelente película que hace que este cine se interncionalice y se vea con mucho éxito y admiración en casi todo el mundo. Es una demostración del más puro talento cinematográfico.

PROOF

2006-08-03T14:20:00.000-07:00

Proof es una película del año 2005, dirigida por John Madden y escrita por Rebecca Miller, (hija del gran Arthur Miller) basada en la obra ganadora del premio Pulitzer de David Auburn. Es protagonizada por Anthony Hopkins, Gwyneth Paltrow, Jake Gyllenhaal y Hope Davis.

La historia se centra en el personaje de Gwyneth Paltrow, una mujer que ha vivido los últimos 5 años cuidando a su padre (personaje interpretado por Hopkins), que sufre una enfermedad mental, pero que es un genio matématico muy reconocido. El día que muere aparece la hermana (Hope Davis), una mujer muy distinta, profesional, con familia, muy segura de si misma, que se enfrenta al personaje de Paltrow y quiere llevársela con ella. Pero el gran tema es que el personaje de Jake Gyllenhaal, alumno aventajado de Hopkins, descubre unos trabajos inéditos de un nivel extraordinario y tiene el interés de publicarlos, a pesar de que Gwyneth reclama que son de su autoría.

Otro tema es la relación sentimental que nace entre ellos dos y que desencaja un poco la vida de esta mujer, que no ha hecho nada más que cuidar a su padre desequilibrado. Su vida ha sido su padre, y por primera vez se da cuenta que es tiempo de cuidarse a sí misma. El tema es el conflicto entre descubrir el límite entre la locura y la genialidad y eso es lo que va desencadenando la historia a medida que los personajes luchan por obtener lo que quieren.

La base de todo esto es cómo se enfrenta la racionalidad con la emotividad. Por un lado la mente racional, los números, la ciencia exacta, y por otro, los sentimientos y las relaciones humanas. Dos cosas totalemente opuestas pero que se unen en esta película.

El guión es alucinante y la forma como está contada la película también. Se juega mucho con la línea de tiempo, con los flashbacks y con los saltos de tiempo. Pero eso está manejado tan bien, tan delicado que no choca, sino que ayuda y es un aporte en la historia.

La historia en sí es un drama, fuerte, complejo, entre personajes que luchan por sus objetivos pero llevados por sentimientos potentes.

Hay muchos subtemas y hay elementos importantes donde uno se puede ir dando vueltas y vueltas pensando y tratando de descubrir y dar solución a algo que es tan difiícil de descifrar sobre todo cuando se pone en duda la lucidez mental de la protagonista.

El tema de las actuaciones es a otro nivel. Cada uno de los actores interpreta extremadamente bien su personaje, y al ser un drama, y al tener elementos de desequilibrio mental, exige un nivel aún mayor de parte de los actores y eso está totalmente logrado. Gwyneth Paltrow para variar se luce y creo que su actuación es una de las mejores que le he visto. El elenco completo está impecable.

Proof es una película muy interesante, profunda y que maneja temas un tanto complejos, que tienen que ver directamente con la mente humana, además de que son tratados de manera muy delicada.

Es una película que se sustenta bajo un guión potente, y en una historia que es grande de por sí, pero lo sobresaliente es que todos los otros elementos que se van entrelazando hacen que ésta sea una película de un gran nivel cinematográfico, con muchos logros. Hay que verla.

GOODFELLAS

2006-08-01T16:37:00.000-07:00

Goodfellas es una de las películas más famosas de la historia del cine. Dirigida por el gran Martin Scorsese, lo que aumenta el nivel de "culto" que produce. Fue realizada en 1980 y protagonizada por Ray Liotta, Robert de Niro y Danny de Vito. Un trío ultra talentoso. Pero lo más impresionante es Liotta.

La película es una clásica película de la Mafia Newyorkina y todo el mundo que la rodea. Se trata de la vida de un hombre desde que era un niño, y fue incorporado a la mafia, y fue creciendo en ese mundo oscuro, turbio y muy violento. Luego va especializándose y va metiéndose de a poco en este mundo que es parte de su vida, pero que no siempre se siente cómodo. La película se va desarrollando a lo largo de toda su vida, cuando se casa, tiene hijos hasta su decadencia máxima y fin de su gloria.
Recién la vi ahora, 26 años después de su estreno, y no entendí qué fue lo que la llevó a ser tan importante en la filmografía mundial.
Los puntos positivos son la dirección de uno de los más grandes cineastas de la historia, y a las soberbias actuaciones de los protagonistas. Pero siento que la historia es bien típica, a pesar de que el tema Mafia es un gran tema. Lo más probable es que en la época de su estreno sí llamó mucho la atención la historia de estos gánsters, pero ahora creo que ya no llega tanto. A mi por lo menos no me fascinó.
La película es muy larga, muy violenta y tiene un tono muy parejo casi toda la película. Es como si de repente una secuencia fuese casi la misma que otra en otro momento de la película. Como que todo era igual y sólo en la última media hora se ve un avance y un cambio.
Puede sonar raro hacer una crítica así a una película tan famosa y tan bien criticada por todo el mundo, pero mi análisis se centra en la época en que la vi, y después de haber visto mucho de lo mismo. De verdad que no le encontré nada muy espectacular, en relación a lo que llegó a ser en su momento y lo que todavía significa "Goodfellas".
Puede ser que tanta violencia y lenguaje gansteril agotan y eso termina por no querer tanto esta película. Por lo menos yo no la encontré ni cerca del nivel de Taxi Driver o de otras películas de Scorsese. Yo creo que es más que nada un ícono por lo que llegó a significar en su momento, nada más.
Lo extraño fue ver a Liotta como el gran protagonista y a De Niro como un secundario, que apoya pero que no lleva el peso dramático.
Hay muchos personajes secundarios que destacan pero entre tanto italiano newyorkino, que se terminan por mezclar y no se alcanzan a desarrollar en mayor medida.
Creo que es una película especialmente para los fanáticos del cine sobre mafias, y fanáticos de Scorsese. No es para todo el mundo, menos para mujeres.

BROKEN FLOWERS

2006-07-29T18:55:00.000-07:00

Broken Flowers es una película que tenía ganas de ver hace como 1 año cuando se estrenó en Estados Unidos. Se demoró mucho en llegar y al fin la ví, después de haber escuchado muchas críticas, tanto muy positivas como muy negativos. No había término medio. A mi me pareció de un nivel excelente. Es cine puro, cine de autor del más refinado que hay. Limpio. Jim Jarmusch como siempre se luce como uno de los más grandes directores de cine de autor del último tiempo. Su cine es tan impecable como característico. Único.
La película es protagonizada por Bill Murray y tiene un reparto con actrices sólidas, muy talentosas, grandes actrices. Me refiero a Frances Conrad, Julie Delpy, Sharon Stone, Jeffrey Wright, Jessica Lange, Tilda Swinton, etc.
La historia comienza cuando el personaje de Julie Delpy deja a su pareja, Bill Murray y éste queda impávido. En ese momento le llega una carta anónima que dice que tiene un hijo de 19 años y su vecino (Wright) lo convence que salga a buscarlo, que vuelva a cada una de las mujeres con las que estuvo en esa época, para descubrir quien es la madre, para encontrar a este hijo misterioso.
Toda la película es de búsqueda, de salir al mundo a encontrar el pasado oculto. Y está dividido en episodios, muy al estilo de Jarmusch, con fundidos a negro, entre encuentro y encuentro con cada una de estas mujeres.
El viaje es al ritmo de Bill Murray, o sea del personaje que interpreta, pero lamentablemente, y único gran error, es que sea el mismo personaje que ha interpretado en sus últimas películas. Personajes lentos, medio somnolientos, un tanto desalentadores, y medio amargados. Este es un error porque hace que la película se asemeje a Lost in Translation, donde Murray era lo mismo.
Aparte de eso esta película tiene un gran elemento que es la estructura dramática, muy bien lograda y que a pesar de lo lento que es todo, no se hace lenta y no decae.
La dirección de arte me encantó. La ambientación está buenísima y refleja muy bien el mundo de los personajes y se requiere que sea a éste nivel por la importancia que tiene descubrir el pasado de los personajes a través del mundo en que viven, de sus casas, de sus barrios, de sus objetos, su vestuario, etc. Eso esá muy bien trabajado y es un gran aporte a la película.
El final es desconcertante y no me lo imaginé. Me gustó que fuera tan extraño. Pero tiene mucho que ver con el cine de Jarmusch y con el nivel de esta película. Un gran aporte al cine actual.

ELVIS

2006-07-27T15:18:00.000-07:00

Elvis es una película hecha para la televisión en Estados Unidos, el año 2005. Protagonizada por el nuevo genio de la actuación Jonathan Rhys Meyers como Elvis y dirigida por James Steven Sadwith. El resto del elenco es igualmente o más destacable. La madre de Elvis es intepretada por la gran Camryn Manheim, y padre es Randy Quaid, por nombrar algunos.
La trama se centra en la vida de este famoso cantante de rock. Es una biografía de la vida de Elvis desde sus 18 años hasta los 33. La historia comienza cuando este joven de Memphis empieza a buscar su camino en la música, hasta que como todo cantante, es rechazado varias veces hasta que aparece el gran manager que lo descubre y lo lleva a la cima del éxito. Luego viene el típico descenso, y el caos, las drogas, las mujeres y el mayor dolor de su vida, la muerte de su madre. Para luego caer y tocar fondo.
No es ninguna novedad, sobre todo conociendo lo que todos sabemos de la vida del gran Elvis Presley pero esta película logra elementos muy interesantes y tiene un punto de vista muy objetivo. Muestra a Elvis tanto en su máximo esplendor, como en su peor momento. Y eso no siempre está bien logrado en biografías. Generalmente las películas sobre ídolos los muestran como dioses o simplemente como personas débiles y destrozadas. En esta película se muestra todo. Lo bueno, lo malo y lo feo. Lo que todas las personas tenemos, por lo que puedo destacar lo que esta película quiere mostrar, que Elvis era un ser humano, que le fue extremadamente bien, pero también que tuvo que pasar por mucho y lo pasó muy mal. Que era una muy buena persona, a veces muy querible, pero otras veces, sobrellevado por la fama y siendo un hombre violento, agresivo y un tanto desequilibrado.

Es una película muy humana, muy realista, y muy bien ambientada y personificada.
Dura un poco más de 3 horas pero no se hacen sentir, porque tiene un muy buen ritmo, y como abarca tanto, y tiene tantas subhistorias, que se hace aún más entretenida. De repente hasta se podría hacer una serie sobre los distintos episodios de la vida de Elvis. Hay tanto que se puede subdividir en capítulos, si se quisiera.
Esta película resume muy bien esos 15 años de la vida de Elvis. 15 años en 3 horas, no está nada de mal.

LA NIÑA SANTA

2006-07-25T13:02:00.000-07:00

La Niña Santa es la segunda película de la directora argentina Lucrecia Martel, desués de La Ciénaga. Con esto confirma que su cine es cine de autor ya que su mano está presente totalmente. Ella tiene un estilo muy especial para hacer cine, además de no sólo dirigir, ya que también escribe los guiones.

Ambas películas tienen muchas similitudes, pero también hay diferencias.
La Niña Santa es sobre una chica adolescente que vive junto a su mamá en un hotel de pueblo, del cual es dueña. Durante unos días se realiza un seminario de medicina en el hotel, por lo que se llena de médicos y gente ligada al mundo de la medicina. En eso la joven llamada Amalia se empieza a obsesionar con uno de los médicos que se aloja en el hotel, mientras su madre lo ayuda en una representación que se va a hacer al final del seminario. Por lo que las dos historias corren paralelas y se va mostrando como estas dos mujeres de distintas generaciones se ven atraídas por este hombre misterioso, que además está casado y tiene hijos.
La historia es muy sutil y no hay mayores evidencias de lo que está pasando ya que los diálogos son muy extraídos, muy estilo Martel.
En este caso hay más acercamiento a los personajes lo que provoca una mayor identificación. Uno puede llegar a sentir algo por estas mujeres que viven en mundos muy especiales. Hay más primeros planos y hay un marcado protagonismo, a diferencia de La Ciénaga que era más coral.
En esta película hay un personaje secundario que a mí gusto se roba la película. Me refiero a la amiga de Amalia, Josefina, que juega un rol importantísimo en la historia y que lleva una carga emocional muy fuerte y a la que le están pasando muchas cosas mientras hace de cómplice de las obsesiones de Amalia.
Esta es una película que no tiene mucho ritmo, y se hace bastante lenta. Pero como siempre es destacabla el final que tiene muchas semejanzas al de la ópera prima de la Martel. Creo que con finales tan bien logrados se puede arreglar una película que le falta fuerza y ritmo. Pero creo que los erros de la primera están bastante más solucionados en ésta y en su totalidad creo que es una obra más completa.
Siento que el cine de Lucrecia Martel, más que buen cine, es buen cine de autor y eso es lo destacable.

TINTA ROJA

2006-07-19T16:20:00.000-07:00

Tinta Roja es una película peruana dirigida por Francisco Lomabradi (Pantaleón y las Visitadoras) y adapatada por Giovanna Pollarolo de la novela chilena del mismo nombre escrita por Alberto Fuguet.
Leí la novela hace unos 3 años atrás, pero recuerdo que me encantó, tanto como las otras novelas de Fuguet. Me la leí rapidísimo y la disfruté mucho. Tal como la película. Tienen muchas semejanzas pero también hay diferencias, propias de una adaptación a cine.
La historia de la película es sobre un joven llamado Alfonso Fernández, que entra a hacer la práctica de periodismo al diario El Clamor y lo destinan a la sección de crónica roja. Este periodista tiene como objetivo titularse para ganarse una beca para ir a estudiar literatura a Europa, por lo que la sección de policiales de un diario sensacionalista no es lo que más le llama la atención. Pero tiene que hacerlo, y se tiene que meter en este mundo fuerte, dramático, trágico pero mantendiendo la cabeza fría para poder escribir las columnas lo más profesionalmente posible.
El jefe de Alfonso es Saúl Faúndez, un hombre con una larga trayectoria en esta sección del diario, que odia a los alumnos en práctica y les hace la vida imposible, hasta que se enfrenta a Alfonso y comienza una relación muy especial entre ellos. Una especie de alumno-profesor, empleado-jefe e incluso hijo-padre. Un gran personaje.
Mientras Alfonso va aprendiendo de periodismo y de la vida con Saúl, éste jefe va aprendiendo de valores, talento y fraternidad de Alfonso, y esa relación es la que finalmente los hace crecer como personas, como seres humanos con defectos y virtudes.
La película refleja muy bien el mundo del periodismo amarillo, ese periodismo oscuro, un tanto turbio, pero un periodismo que enseña mucho sobre ética y moral, y sobre las tragedias del ser humano.
Es una película muy bien lograda, con una dirección impecable. Fácilmente se podría haber hecho en Chile, pero que se hizo en Perú. Y el cine peruano, sobre todo el de Lombardi, merece reconocimiento.
El final se les va un poco de las manos, y claramente la adaptación se le complicó un poco a la guionista, porque pareciera terminar con un desajuste donde se insertan otras temáticas y pareciera otra película. En el fondo, ese largo final, extendido, era innecesario, y puede que eliminando ciertos elementos podría haber terminado más redondeado.
La película entretiene y entrega mucho. Tiene todos los elementos claves para que una película funcione. Tiene buenos actores, una sólida historia, un tema entretenido, y una muy buena realización. Es un cine muy interesante y bastante bien logrado.

LA CIÉNAGA

2006-07-18T14:08:00.000-07:00

La Ciénaga es una película argentina dirigida por Lucrecia Martel. Fue realizada en el año 2001 y filmada en la región de Salta, al norte de Argentina, lugar de donde proviene su directora. Este no es un hecho aislado, ya que no sólo ella dirigió la película sino que la escribió. Y la historia tiene mucho que ver con la historia de Salta. Esto lleva a que sea un cine argentino muy distinto al que estamos acostumbrados a ver, en Buenos Aires o en grandes ciudades.

La película es sobre dos familias que están emparentadas, que viven más o menos cerca y pasan un verano en casa. Mientras están todos en la piscina, la madre de una de las familias se cae mientras está un poco borracha, y se corta con los vidrios de la copa, por lo que se ve obligada a quedarse en reposo por mucho tiempo, mientras la familia deambula por la casa durante este interminable y lánguido verano. La otra familia es diferente, y lo que va pasando entre los distintos personajes de ambas familias durante un tiempo prácticamente muerto, es lo que compone la historia. Es decir, no pasa mucho.
Es una película coral, es decir, son varios personajes los que van armando la historia. Pero al mismo tiempo, no hay mucha historia que contar, sólo como van sucediendo las cosas en una familia bastante plana, y otra que tiene las cosas un poco más ordenadas.
Es una película que tiene mucho diálogo trivial, lo que parece casi improvizado, y no cuenta con efectos adicionales ni de montaje ni de música incidental. Los sonidos son los que suenan en directo y los planos son casi todos generales, o abiertos. Prácticamente no existen los primeros planos.
Lo que de verdad llama la atención es el estilo único que tiene esta directora para narrar. Es muy especial, y muy personal, eso se nota. Pero al mismo tiempo, la languidez de la historia con largos planos y sin mucha acción y ritmo en el montaje, hace que se haga un poco tediosa y larga. Esto puede que a muchos les afecte y puede que incluso les llegue a molestar como espectador al ver esta película. Pero todo tiene un por qué y eso me quedó más claro con la explicación y análisis que dio Lucrecia Martel, que me dejó bastante más satisfecha. Después de escuchar su punto de vista sobre las cosas, sobre la vida y sobre el cine entendí por qué y cómo quiso contar esta historia. Y eso me convenció mucho más.
Esto me deja como mensaje que el cine de autor es otro mundo, y es algo que va mucho más allá, pero a la vez, requiere entender al director, al autor, para poder disfrutar y comprender su cine. Por eso puede ser algo muy negativo en el sentido que el cine es para disfrutarlo mientras uno lo ve, no después de que analiza y entiende al director en sus formas, pero por otro lado es un cine que requiere de un esfuerzo mayor de parte del espectador, y una inteligencia especial para maravillarse con este arte. Eso siento que fue lo que me pasó porque la disfruté mucho más cuando escuché a la Martel hablar sobre su cine, que al ver la película.
Y eso es un gran desafío.

FOUR FRIENDS

2006-07-05T14:50:00.000-07:00

Four Friends es una película norteamericana dirigida por Arthut Penn (Bonnie and Clyde) filmada en 1981. Pareciera que fuese más antigua (quizás porque la tuve q ver en VHS y hace tiempo que no veía nada en ese formato) por la factura. pero también porque comienza la historia cuando el protagonista, Danilo, es un niño y llega a Estados Unidos proveniente de Yugloslavia. Luego la historia salta a los últimos años de colegio donde Danilo es parte de un grupo de 4 amigos. Son tres hombres y una mujer, Georgia, de quien los tres están enamorados. Después la historia se va saltando unos años para ir contando la historia de estos cuatro amigos a medida que pasan los años hasta que son adultos. Todo esto rodeado de un ambiente que describe muy bien a una sociedad norteamericana de los años 60, donde las represiones y sueños de los adolescentes son temas que están sucediendo.
Los temas que trata Penn son los sueños e ideales de los jóvenes, la amistad y el amor imposible. Cada uno de estos jóvenes tiene sus propios sueños, sueños que tienen que ver con sus futuros, con sus vidas pero también con Georgia, una mujer muy soñadora y muy rebelde, para su época.
A mi en general no me gustó mucho la película porque siento que se podría haber involucrado aún más en lo del amor idealizado que tres amigos sienten por una misma mujer, que más encima es "amiga". Es un gran tema pero siento que no está tratado tan intensamente. Siento que es más una mirada de un director de lo que está pasando con los jóvenes idealistas norteamericanos que sueñan, pero no necesariamente que sueñan por el amor. El punto de vista es el de Danilo, el outsider, el inmigrante que es lejos el más luchador y el que más mal lo pasa. Hay ciertos momentos en la historia donde está presente la más pura tragedia, pero no da esa sensación. Es muy extraño lo que pasa.
Lo que creo que fue lo que más me molestó eran los saltos en el tiempo. Creo que no están muy claros y de repente cuesta entender dónde y cuándo está sucediendo la historia.

Ninguno de los actores es muy conocido y siento que le falta carácter a las interpretaciones.
En el fondo siento que es una película que marcó una época, sobre todo por la relevancia que tiene Arthur Penn en el cine mundial, pero no la veo como una obra genial.

COMO UNA IMAGEN

2006-06-19T16:59:00.000-07:00

Esta es una película francesa dirigida por Agnes Jaoui , del año 2004.
La historia es sobre una joven de 20 años llamada Lolita (Marilou Berry) que tiene que lidiar con la fama de su padre escritor. Ella es su sombra y su problema es que nadie le presta la atención que le entregan a él, ni él mismo a su hija. Ella es actriz y cantante de ópera pero tiene un autoestima muy baja por no ser muy atractiva físicamente. Su padre no la toma en cuenta y ella lo adora y hace todo lo posible para acaparar su atención.
Su profesora de canto (interpretada por la directora de la cinta) está casada con un escritor y ambos admiran mucho al padre de Lolita. En el momento que se entera que su alumna es la hija de este famoso y reconocido escritor todo cambia.
El nombre de esta película es el reflejo de lo que es. Es un muy buen título porque lo que quiere dejar esta película es la importancia que tiene la imagen en el mundo actual. La apariencia es importante para la aceptación social, para encontrar trabajo, incluso en ciertas familias puede ser un tema, cómo ocurre en ésta, donde el padre de Lolita se vuelve a casar con una mujer muy joven, y muy bonita, opuesta a su hija, a quien ignora completamente.
Otro elemento importante que se puede destacar es lo mucho que influye la fama y el reconocimiento laboral en la vida de las personas, a veces incluso importando más que cualquier otra cosa, que la familia y el amor por los seres queridos.
Es una historia un tanto triste, con personajes deplorables como el del papá de Lolita, pero que tiene una apacibilidad típica del cine francés. Los personajes también son muy franceses. Sumergidos en la efervescencia de la cultura, de las artes, pero sumidos en mundos individualistas, egoístas, y un tanto fríos.
Siento que esta película refleja mucho el mundo francés de estos tiempos, pero narrada con un tono muy delicado.
Estéticamente es bastante oscura, los tonos son muy neutros, sin mucha luz, ni color.
La música es clave, ya que es elemento muy importante en la historia y aporta mucho en la progresión dramática. Sobre todo en la ópera que está naturalmente incorporada, con los ensayos de Lolita.
No siento que esté muy bien dirigida, aunque tampoco es una mala realización.
Cumple con una historia no muy compleja, bien actuada, bien lograda pero con elementos no tan bien desarrollados. Los personajes requerían un poco más de profundidad y evolución y eso es importantísimo en este tipo de cine. Es una película que cumple con lo básico. Muy francesa. Y a mi personalmente no me gusta mucho el cine francés lo que hizo que no me gustara demasiado esta película.

LA MARATÓN DE NUEVA YORK

2006-06-17T10:32:00.000-07:00

TEATRO

La Maratón de Nueva York es una obra recién estrenada por la compañía Teatronautas, dirigida por Gustavo Valdivieso y protagonizada por Valdivieso y Mauricio Parraguez.
Voy a tratar de ser lo más objetiva posible, a pesar de mi cercanía a la compañía y sobre todo a uno de los actores. Es por eso que empecé a conocer la obra desde los primeros ensayos y sé que fue un proceso largo y a veces un poco complicado pero lo bueno es que resultó ser un montaje buenísimo y el esfuerzo valió la pena.
La historia es de dos amigos, Steve y Mario que entrenan para correr en la maratón de Nueva York. Mientras Steve está obsesionado con correr hasta morir, Mario no siente ese impulso ni esa fuerza que tiene su amigo y se nota desganado, pero a medida que va transcurriendo el montaje, las cosas van tomando un camino inesperado concluyendo sorpresivamente.
Lo impresionante es que casi todo el transcurso de la obra los actores están corriendo sobre el escenario. Es algo muy inusual en teatro lo que requiere de un esfuerzo físico fuerte, ya que decir textos bajo esas condiciones es un desafío mayor.
Las actuaciones de ambos son muy buenas y se nota lo bien dirigida. Se percibe el feeling entre los actores.
La escenografía fue algo que creo que faltó. No había. El escenario no tenía ningún elemento, ni siquiera un fondo. A pesar de que fue con una intención, siento que podría haber sido un desafío incorporar una escenografía neutra pero que creara un ambiente.
La iluminación era muy buena sobre todo en una escena donde juega un papel importante y crea una sensación muy especial, junto al aporte de la música, compuesta por Claudio Narea.
La obra dura alrededor de 50 minutos y no decae en ningún minuto. Es ágil, entretenida y tiene un muy buen desarrollo, que hace que vaya en continuo progreso dramático.
La recomiendo mucho por ser un obra muy especial, entretenida y bien lograda.

MATCH POINT

2006-06-17T10:26:00.000-07:00

Match Point es una de las mejores películas que he visto en el último tiempo y a mi gusto una de las mejores de Woody Allen. También es uno de las más distintas dentro de su filmografía.La historia es sobre un hombre llamado Chris que llega a hacerles clases de tenis a Tom. De a poco se va acercando a su familia, una familia muy típica de la clase alta británica, quienes lo acogen muy bien y entabla una relación con la hermana de Tom, Chloe. Todo va muy bien hasta que conoce a la novia de Tom, Nola (Scarlett Johannson) y se empieza a obsesionar con ella. Mientras tanto, el padre de Chloe le ofrece un trabajo en su empresa y empieza a irle muy bien. Tiene todo lo que siempre había querido. Una mujer perfecta, con una familia perfecta, con plata y un trabajo muy bueno. Pero todo cambia cundo empieza a tener una relación paralela con Nola y todo se le empieza a ir de las manos.Esta no es una historia de amor, de infidelidades, ni de poder. Es una historia sobre la suerte. La película empieza con una escena clave donde se grafica el término usado en el tenis del “match point”, cuando una pelota pega en la red y puede irse hacia delante y hacer que el jugador gane, o rebotar y hacer que éste pierda. Todo en un segundo y que puede provocar un cambio grande. A partir de eso la película toma este tema muy inteligentemente y hace que Chris vaya tomando decisiones que gracias a su suerte lo van llevando a un mundo que siempre soñó.

El guión es perfecto, está muy bien construido y logra que el espectador se involucre totalmente en la historia. Va tomando giros muchas veces inesperados pero todo bajo una lógica.
La historia sale del típico cine Newyorkino de Woody Allen y se inserta en una sociedad Londinense muy bien retratada. Un mundo muy distinto al gringo, muy único. Y eso hace que se asemeje mucho al clásico cine inglés. Me refiero al cine dirigido por ingleses. Un cine que siempre me ha fascinado.
El tema de la suerte está muy bien trabajado ya que se plantea no sólo como algo casual sino como algo que nunca tomamos mucho en cuenta en nuestras vidas, puede influir tanto en una persona, para bien o para mal. Pero puede ser algo que nos puede cambiar la vida para siempre. Chris era un hombre que tenían todo para ser el típico fracasado pero estuvo en el lugar correcto en el momento correcto, y la suerte que tuvo fue lo que lo llevó a cumplir todos sus sueños. Puede que no se lo mereciera pero eso es tema aparte. Estaba destinado a ser un tipo suertudo. Match Point es una película notable, completa, con muchos elementos interesantes, con personajes bien construidos, dirigido sólidamente por este famoso y muy reconocido director americano. Totalmente recomendable, no sólo para los que les gusta el cine de Woody Allen, sino para todos los que disfrutan del buen cine.

EVERYTHING IS ILLUMINATED

2006-06-17T10:18:00.000-07:00

Everything is Illuminated es una película que ví por una razón muy especial. La ví porque primero me había leído el libro de Johnathan Safran Foer y me encantó. En ese momento supe que habían hecho la película y siempre quise verla hasta que finalmente la vi. Cuando me leía el libro me iba imaginando las imágenes, sobre todo porque había mucha carretera y mucho lugar desconocido. Obviamente esto se presta para comparar. Pero la película en sí es maravillosa. Fue dirigida por el actor Liev Schreiber y protagonizada por Elijah Word. Eso fue lo más raro para mí, ya que me imaginaba a un hombre muy distinto a Wood en ese personaje. Me imaginaba a alguien mayor, quizás porque Elijah se ve muy chico. El resto del elenco es desconocido, y son de Odessa, Ucrania, país donde se ambienta la película. Al ser de un país muy del tipo Rusia, se parece mucho en el estilo a las películas de Kusturica, se ve claramente su influencia. Sobre todo en el gran aporte de la música, un personaje más en la película que cumple una función específica en la narración. La historia es sobre un joven judío norteamericano que llega a Ucrania a buscar a su abuela, posible sobreviviente del holocausto. Es una autobiografía de Froer. Es su historia. Para comenzar su búsqueda contrata un servicio de tipo transporte-traducción. El viaje lo hace junto a un joven de su edad que hace de traductor, y su abuelo que hace de conductor, quienes están acompañados por su perro llamado Sammy Davis Junior Junior. Es una especie de road movie donde se van entrelazando la búsqueda de la abuela Augustine con las relaciones que se van desarrollando entre estos personajes. Personajes de distintas culturas pero que tienen algo en común, que es su religión, y un pasado en común. Lo que más me llamó la atención fue lo excelentemente bien dirigida, algo que de antemano no le di mucho valor sólo por prejuicio por ser dirigida por un actor. Notable dirección y lamento haber sido tan prejuiciosa. Segunda película que me sorprende lo bien dirigida siendo realizada por actor. A la otra que me refiero es a Garden State dirigida por Zach Braff. Los planos son perfectos, pulcros, bien compuestos. Cada elemento está muy bien utilizado y los detalles son tan importantes como los elementos más notorios. La luz, el montaje, el arte y sobre todo la música son elementos muy bien logrados. Las locaciones también son un gran aporte, son paisajes maravillosos, incluso más lindos de los que había imaginado en el libro. Lo único es que siento que me quedé con gusto a poco. El libro tenía mucho más y siento que en la película se le quitó mucho de lo bueno que tenía el libro. Pero eso suele suceder en las adaptaciones cinematográficas. Pero creo que como realización está muy bien lograda y es un buen ejemplo de cine bien hecho. Siento que es de esas películas del primer piso que son verdaderas obras de arte en relación a su realización.

MÁS CORAZÓN QUE ODIO

2006-06-06T14:08:00.000-07:00

Más Corazón que Odio es una película del año 1956 pero ambientada en 1868. Es un clásico del cine de John Ford y protagonizada por el famoso John Wayne. Es una película del género Western. Un género del que he visto bien poco porque nunca me ha llamado la atención.

Esta vez la vi porque la tenía que ver para el diplomado y al principio pensé que iba a ser un parto y que me iba a aburrir mucho. La verdad fue que al principio me aburrí un poco pero la historia se fue poniendo cada vez más entretenida y fue agarrando ritmo hasta que al final no me aburrí.
Es una historia muy clásica, muy ordenada, sin mayores sorpresas, pero bien contruída.
John Wayne llega a la casa de su hermano, cuñada y sobrinos y al poco tiempo todos mueren en un ataque de los indios pero salvan a la hija menor que es raptada por ellos. En ese momento el tío con un amigo de la familia parten a rescatar a la niña. En ese viaje van sucediendo distintas cosas que hacen que la historia fluya y van apareciendo personajes nuevos, algunos muy especiales, otros muy clásicos.
También se va desarrollando la relación de amistad-odio entre este tío (Wayne) y el amigo de la familia que lo único que los une es un objetivo en común: salvar a esta niña.
El viaje que ellos emprenden dura alrededor de 5 años y en ese tiempo van pasando muchas cosas que los va llevando de a poco a su objetivo final, pero el proceso que estos dos hombres tienen es muy distinto. Uno representa la lucha por amor y el otro lucha por que su rol en la vida es ese: ser el líder al que todos obedecen y que consigue todo lo que busca. Wayne interpreta a ese líder, a ese protagonista clásico. Un tipo rudo, fuerte y que siempre consigue lo que quiere en la vida.
Todo es muy clásico en esta película. Desde los planos, muy perfectos y muy largos hasta los personajes, muy estereotipados, la música, la ambientación, la fotografía, todo.
Es un ejemplo del cine bien hecho, bien logrado, pero para su época.

CRIMEN FERPECTO

2006-06-06T13:24:00.000-07:00

Crimen Ferpecto es la última película del gran director español Alex de la Iglesia. Es una película muy De la Iglesia y eso es muy importante dentro del cine de autor, es decir, del buen cine según mi opinión. De la Iglesia tiene su estilo marcadísimo y es totalmente identificable.
Se nota en la imagen, en los movimientos de cámara, en los planos, la luz y en la forma. Es un cine muy grotesco, muy exagerado y no tiene sutilezas. Todo está ahí, expuesto, muy expuesto.
Pero eso no es algo malo, es algo que lo indentifica. En su cine no hay mucho que analizar en cuanto a guión porque todo eso está claro. Es un guión redondo, bien hecho.
Crimen Ferpecto se trata de un vendedor de multitiendas que ha trabajado muchos años ahí y siente que ese es su lugar, su casa. No tiene más vida que eso. Lo que incluye mujeres, vendedoras, jefes, colegas, clientes. Todo ese mundo es su mundo, donde él la lleva, dónde se las sabe todas y las tiene todas, literalmente. Pero llega un momento en que tiene que competir con un colega por un ascenso y comienza su caos. En ese momento ocurre un asesinato en el local y la única mujer que pasaba desapercibida es la única testigo. En ese momento las cosas se complican y la historia empieza a tomar un ritmo muy rápido y todo se sale de control. Todo con ayuda del humor negro de Alex de la Iglesia.
Crimen Ferpecto es sobre la vida de un hombre que cree tener una vida perfecta pero por culpa de un crimen nada de perfecto se da una vuelta en el aire y cae de espaldas. Y sobre una mujer que nadie ve porque es fea y lo único que quiere es que alguien sepa de su existencia y ahí nace un personaje notable, lleno de traumas, rollos, trancas, y conflictos internos que la llevan a recurrir a su último recurso para hacerse notar, un recurso bien loco pero es su recurso.
Esta película retrata muy bien la idea del consumismo, de la belleza y la perfección. Hay elementos muy bien logrados y la película tiene una particularidad que la hace muy entretenida, que mezcla elementos dramáticos, con comedia negra y un toque de superficialidad muy bien lograda en cuanto al mensaje. Es una película muy bien ambientada en estos tiempos, que puede verse como la vida diaria pero que detrás de todo este mundo perfecto se esconde un mundo oscuro y oculto.

INSOMNIA

2006-06-02T13:37:00.000-07:00

Insomnia es una película dirigida por Christopher Nolan, el mismo realizador de Memento, que causó un verdadero fenómenos cinematográfico por su particular formato y edición.

Insomnia es una película muy distinta a Memento por lo que se puede ver otra faceta de Nolan. Es protagonizada por gran Al Pacino, Robin Williams y la tan premiada Hillary Swank.

La historia es sobre un policía que tiene una carrera muy reconocida en Los Angeles pero un día es enviado a resolver un caso en Alaska. Y lo que le pasa en Alaska es algo que no había vivido en sus muchos años de carrera, con muchos logros y aciertos policiales. Esta vez todo se le escapa de las manos.

A pesar de tener mucho de las típicas películas sobre asesinatos y policías que tienen que descubrir al asesino, esta película tiene muchas particularidades que la alejan de las convenciones.

En medio de la nada, en un clima muy frío y muy inhóspito se centra la historia. Pero además de las inclemencias del tiempo, el personaje de Al Pacino se ve sumergido en un caso extraño donde lo que está en juego es su ética profesional y su propia vulnerabilidad. En ese lugar no hay noche en cierta época del año, lo que le produce un insomnio que lo va dejando cada vez más cansado e imposibilitado de continuir en perfectas condiciones con el desarrollo de la investigación.

En este escenario se encuentra el personaje de Al Pacino, al medio de la nada, tratando de descubrir un crimen pero agobiado por el cansancio, y otras cosas que le están afectando sus capacidades profesionales tan bien reconocidas por sus colegas. Se tiene que enfrentar al asesino que el espectador conoce rápidamente interpretado por Robin Williams, en un personaje muy alejado de los que está acostumbrado a hacer.

Hillary Swank es la aprendiz. La nueva policía que se encuentra investigando un gran caso con su referente más improtante, del que quiere aprender todo con muchas ganas pero que en un momento la hace llegar a confundirse y a interceder en la investigación muy oportunamente.

Para variar su actuación es excelente y su personaje está muy bien logrado.

La historia tiene una tensión especial, y la intriga es manejada de una manera muy particular.

Lamentablemente el final no es lo que uno espera de un cineasta como Nolan, porque cae mucho en el típico final que pide Hollywood y lo que hace que esta película sea para un público masivo.

Pero en general es una película bien lograda, con buenos personajes, extraños en algunos momentos, y que se rescata por sobre todo lo que deja en términos de mensaje. ¿Cuánto pesa la conciencia?, ¿Hasta qué punto llega la ética profesional? ¿Cómo se puede vivir y trabajar con un secreto tan grande que puede echar toda una vida de trabajo a la basura? y por último, ¿ Qué es lo que queremos perpetuar con nuestro trabajo?

Hay muchos temas por analizar y eso es muy bueno en el cine. Que te deje algo en que pensar, y no terminar de ver la película sin nada que trascienda la pantalla.

CAPOTE

2006-06-01T09:55:00.000-07:00

Capote es una película que quería ver hace tiempo, sobre todo por lo comentada que fue en la época de los Oscar. Me encantó el hecho de que al fin Phillip Seymour Hoffman se ganara un Oscar. Siempre era el gran secundario, siempre destacando por su talento como actor pero no era del prototipo para protagonista. Hasta que llegó Capote y se lució como el famoso escritor, medio freak, medio excéntrico.

Esta es una película dirigida por Bennet Miller. Bien dirigida pero nada muy fantástico.

La película se trata de cómo un escritor se involucra a un nivel muy emocional con el personaje principal de su novela de no ficción. Un género que empezó a expandirse gracias a "In Cold Blood". La película no es sobre el asesinato que marcó el libro, sino que cómo Capote empieza una investigación y va sumergiéndose en el mundo de los asesinos.

Es una película que tiene varias semejanzas a "Dead Man Walking" o a otras tantas películas donde un personaje se conecta con otro que va a ser ejecutado. La diferencia es que en este caso la conexión es extraña. Está marcada por la ficción. Capote empieza a relacionarse en una especia de submundo con este asesino, sin mayor emoción.

La película está bien hecha, bien tratada, pero me hubiese gustado saber más sobre Capote, más sobre que piensa, qué quiere, qué le gusta, qué no. Más sobre su propia vida. Tal como en las películas que llevan el nombre del protagonista como título. En este caso la película no es sobre Truman Capote, sino que es sobre su trabajo, sobre sus obsesiones y eso creo que no está tan bien logrado.

Me parece una película sobria pero no me causó mayor estremecimiento. Siento que es una película más en el mundo del cine. Nada mucho. Claramente lo mejor es la sobresaliente actuación de Seymour Hoffman y también de la notable Catherine Keener.

El tratamiento de imagen está muy bien lograda y se da una buena atmósfera. El arte excelente, la foto también. Pero me quedaría con eso. Pero siento que fue demasiado inflada y tenía buenos elementos para haber llegado a ser excelente. Pero Miller no los aprovechó.

CHINATOWN

2006-05-23T14:24:00.000-07:00

Roman Polanski es uno de los más grandes directores de cine a nivel mundial. Tiene una larga trayectoria y hace un cine que tiene una relevancia importante en la cinematografía mundial. Sus películas son todas muy conocidas y a pesar de haber visto pocas, siento un gran respeto por su trabajo. la última que vi fue la ganadora del Oscar El Pianista y se lo merecía totalmente. Gran película, muy potente.
Chinatown es una película que Polanski realizó en 1973 , mucho antes de El Pianista y de otras tantas películas que lo llevaron a la cima.
Es protagonizada por Jack Nicholson y se ve muy guapo, y hace del típico galán de las películas de esos años. Muy empaquetado, correcto, inteligente y hasta un poco gracioso. Un seductor. La actriz que lo acompaña es la muy famosa Faye Dunaway que interpreta a una mujer fría, calculadora, y muy misteriosa. También es el típico personaje que protagoniza esas clásicas películas de los años 70 para atrás.
Esta película está ambientada en los años 20. La historia es sobre una mujer (Dunaway) que contrata los servicios de un detective (Nicholson) para investigar a su marido, por tener sospechas que tiene un romance con una mujer joven. Pero las cosas no son tan sencillas, y mientras transcurre la historia, van aflorando cosas que hacen que el detective Gettis se vaya involucrando cada vez más en su investigación y vaya descubriendo cosas que van cambiando el rumbo de la historia.
Es como una de esas clásicas películas de suspenso de los años 20. Pero tiene un elemento que la hace ser más que eso: Polanski. El tiene una manera de filmar que hace que su cine llegue a un nivel mayor. Es una película muy bien lograda, a pesar de no ser una historia muy contundente.
Pero si tiene un buen manejo del suspenso y de como van sucediendo acontecimientos que van dando pistas de lo que pasa en la historia, más allá de lo externo.
Lo que podemos ver es como el poder destruye. Destruye a las personas, a las familias y cómo las ansias por tener más y más dinero, pueden matar a cualquiera. Se muestra como el dinero es más importante que cualquier cosa, para ciertas personas y cómo el amor no significa nada para muchos.
La película está contada bajo el modelo clásico y los personajes son también muy típicos. No tienen mucho de especial. Las actuaciones están bien para lo que se les exige, que no es mucho, porque son personajes que no requieren mucho de emotividad, ni de expresión. Todo el ambiente es muy frío y está rodeado por un mundo muy impersonal.
Chinatown es una gran película porque tiene elementos que ayudan a llevar a una película al éxito. Cuenta con una historia simple pero que tiene un gran misterio, que el protagonista tiene que resolver. También hay una historia de amor y hay mucho poder alrededor. Tiene un toque de misterio, drama, suspenso y acción. Cuenta con grandes actores y un director que pudo llevar una película no muy ambiciosa a niveles muy altos. Con gran talento.

COFFEE AND CIGARETTES

2006-05-22T09:25:00.000-07:00

Coffee and Cigarettes es una película realizada en el año 2003 pero que llegó tarde a Chile. Es una película atemporal. No importa cuándo ni dónde fue hecha. Es muy especial en su forma. Son puros cortos de no más de 10 minutos cada uno, en blanco y negro y lo único que tienen en común uno del otro es que se centran en personajes que se fuman un cigarro mientras se toman un café.

Cada corto es una historia independiente protagonizada por actores muy buenos y conocidos por ser de un nivel actoral mayor. Me refiero a Bill Murray, Cate Blanchett, Alfred Molina, Roberto Benigni, Steven Coogan, entre otros. También cuenta con actuaciones de genios de la música como Iggy Pop y los hermanos White de The White Stripes.
El director es el siempre bien criticado Jim Jarmusch que demuestra muy fielmente su marcado estilo y su sello narrativo. Le gusta utilizar el blanco y negro, le gusta la simbología de los planos y su correcto manejo con la cámara. Su sello está. Son pequeñas historias. Unitarias pero que al unirlas cuentan algo mayor.
Me recuerda la última película que vi de Jarmusch, Dead Man, protagonizada por Johnny Depp, también en blanco y negro y donde la historia era contada en episodios, unitarios, separados por un fundido a negro, lo que daba la impresión de estar leyendo una novela y se acaba un capítulo y empieza otro, con una continuación pero con una unidad dramática independiente. En este caso no hay una continuación entre una historia y otra, ya que son historias independientes que están unidas solamente por relacionarse con el café y los cigarros. Pero se nota que a Jarmush le gusta la fragmentación en su cine y prefiero dividir lo más posible sus historias.
En la mayoría son dos personajes que se reúnen en un café. Hay algunas que hay personajes solos y otras donde llega un tercer personaje a interrumpir la acción.
El tema que se repite y que está en cada una de estas historias es la incomodidad. No se muestra un relajo en las conversaciones entre los personajes, sino que todo lo contrario. Las conversaciones son forzadas, impuestas y muchas veces muestran la desconexión entre los personajes y lo incómodos que se sienten frente a esta otra persona. Por lo tanto, los diálogos son muy parecidos en cuanto a intención en cada una de estas historias. Muy básicos en cuanto a temas, pero muy potentes en cuanto a forma.
También se repiten los ángulos, los planos y la ambientación. La cafetería vacía, desolada, las mesas con cuadrados blancos y negros, las tazas con cuadros, los planos picados a las mesas y a las tazas de café. Y el contraste del café negro con el cigarro blanco. Lo que se manifiesta en sus personajes, todos opuestos. Uno representa el negro y otro el blanco. Y eso es lo que finalmente produce la incomodidad y la disociación entre ellos.
Esta es una gran película, muy bien filmada, muy bien lograda, y con muy pocos recursos. Todo muy simple, pero con la ayuda de grandes actuaciones y una excelente dirección se puede llegar a hacer buen cine, y sobre todo una buena obra de arte.

JERRY MAGUIRE

2006-05-19T14:10:00.000-07:00

Jerry Maguire es una película que tiene demasiado potencial que no está a la vista. Hay que verla unas tres veces para recién fascinarse. A la primera puede ser una película típica gringa, onda comerdia romántica. A la segunda uno empieza a ver como el gran Cameron Crowe aporta a este tipo de cine con su toque especial, tirado para el cine de autor y a la tercera uno puede percibir la cantidad de cosas interesantes que se desarrollan y cómo están tratadas. Muy buena forma con un muy buen fondo.
Es una película que como bien lo dice el título, es sobre un personaje. Sobre un personaje muy especial interpretado excelentemente bien por Tom Cruise. Sobre un hombre egocéntrico, arribista, ambicioso, neurótico y muy individualista. Tiene muchas de las caracterísiticas del típico hombre moderno. Las peores. Un hombre que a los 35 años tiene una gran carrera pero en el ámbito personal no sabe lo que quiere. No tiene desarrollada su área más personal, sus emociones. Se cree que se las sabe todas pero emocionalmente tiene la escoba. Pero la vida le cambia cuando se enfrenta a un fracaso laboral y tiene que empezar de cero. Desde abajo empieza a darse cuenta de lo que en verdad quiere de la vida, lo que lo hace feliz. Algo que no había notado en sus 35 años de vida. Las perspectivas le cambiaron, las prioridades también. Conoce a una mujer que le entrega algo que le fue quitado por todas las personas que lo rodeaban. Me refiero a la lealtad. Ella es la única que le es leal. Y él le da a ella lo que más necesita. Un padre para su hijo. Se necesitan y se empiezan a querer. Juntos se dan cuenta de muchas cosas y empiezan a ser felices y la vida les cambia.
Sucede lo mismo con su amigo, el futbolista americano que después de muchos éxitos su carrera empieza a caer (me refiero al personaje de Cuba Gooding Jr, Rod Tidwell) y Jerry tiene que salvarlo. Tiene que salvarlo cuando apenas puede salvarse a sí mismo. Primero como su representante y luego como su amigo. Pero mientras está en eso, se empiezan a complementar. Lo que Rod tiene, a Jerry le hace falta y viceversa. Se empiezan a necesitar y se ayudan mutuamente. Lo que Rod tiene de sobra que es el amor de su señora y el cariño de sus seres queridos, a Jerry le falta. Pero le falta por que no lo conoce, y no lo necesitaba, hasta que ve que la vida que quiere tener es esa. No la de la fama y grandes éxitos, sino que la vida de una persona que necesita el amor de sus cercanos y vive de las emociones diarias.
Aparte del personaje principal, "Jerry Maguire" destaca por todos los personajes secundarios, que están muy bien logrados a nivel de guión, y también en las actuaciones. Renee Zeellweger impresionate como Dorothy. El niño que hace de su hijo es adorable y extremadamente querible. El personaje de Cuba Gooding Jr, Rod es alucinante en su caracterización, del hombre fuerte, deportista, pero sensible y con sentimientos. Y el malo malo del antagonista, Rob Sugar interpretado demasiado bien por el genio Jay Mohr. Por eso los personajes no son sólo buenos por las actuaciones sino que el guión tiene una construcción de personajes tan bien lograda que el complemento es perfecto. Algo siempre rescatable del cine de Cameron Crowe. A mi gusto uno de los mejores cineastas de estos tiempos. Conjuga de la mejor forma el buen cine de autor, con el cine comercial, excelentes actores, guiones muy bien logrados, la música como un elemento indispensable y una imagen perfecta.
La película aborda muy bien todos los temas relacionados con la ambición, el poder, el éxito y el fracaso y todos los sentimientos que van unidos a esto. Desarrolla todo con mucha delicadeza, buenos diálogos, muy buenas frases que la hicieron famosa ("Show me the money!" y "You had me at hello") y el magnífico aporte de la música, que como en todas las películas de Crowe, son un personaje más. O más que eso, son un aporte constante en la historia y un elemento esencial. Algo que caracteriza el cine de Crowe.
La película deja mucho. Tiene muchos elementos que la hacen ser una exelente comedia romántica contemporánea, un drama sobre la vida, y un referente del buen cine de autor.

OLD BOY

2006-05-10T11:21:00.000-07:00

CINE

Old Boy es de esas películas que jamás elegiría ver. La tuve que ver para analizarla en el diplomado de cultura audiovisual que estoy tomando. Tenía el típico prejuicio de que las películas de mucha violencia y acción, no entran en el grupo del cine analizable. Pero me equivoqué, y me llevé una gran sorpresa.
Esta es una película Coreana que influenciada por el cine oriental tiene mucha violencia y artes marciales.
Se trata de un hombre que es encerrado por 15 años en una habitación y no sabe por qué. Al ser liberado tiene que descubrir que fue lo que pasó y vengarse. Pero es mucho más que eso.
La película mezcla dos mundos opuestos totalmente. El mundo de la venganza, la violencia, la sangre y por otro lado el mundo de lo que nos mueve como seres humanos que sufrimos y queremos.
Este hombre es encerrado el día del cumpleaños de su hija, y cuando sale empieza a investigar que pasó. No entiende las razones pero más allá de entender lo que pasó, lo que lo mueve es la venganza. Pero no sólo la venganza por su cautiverio, sino por el dolor que significó eso para él, en términos humanos. Le quitan lo que más ama en el mundo que es su mujer y su hija y eso es lo que finalmente lo mueve a vengarse, de la forma que el sabe. A través de sus propios códigos, muy aborígenes, que quedaron de él tras el encierro. Lo que le queda es la violencia más pura, más cruel, más dura. Esa que da náuseas.
Por eso esta película es tan interesante, porque por un lado uno se conmueve por el sufrimiento de este hombre, pero por otro a veces es insoportable mirar la pantalla con tanta tortura, tanta sangre.
Lo otro que es importante destacar es el factor tiempo y espacio. El tiempo es un personaje más. La forma como se muestra el paso del tiempo durante el cautiverio, a través de los hechos importantes que ocurren en el mundo, la historia política, lo que pasa en el mundo, a través de la televisión y cómo éste pasa a ser como el mismo dice, su "formación imaginaria". Y el calendario que marca como pasan los días y la relación que tiene una fecha importante con el desarrollo de la historia.
El espacio está expuesto cuidadosamente. Hay un contraste entre los lugares que representan el encierro, oscuros, chicos, y los lugares que representan la libertad, que son amplios, y más claros, más iluminados.
Cuando este hombre es liberado, se encuentra con un nuevo mundo, donde tiene que aprender todo de nuevo, basándose en lo que aprendió por televisión, su único referente. Luego sale y todo pasa muy rápido. Nos damos cuenta de esto con el uso del montaje, de los planos, del ritmo. Esto es lo que produce una sensación de angustia constante y de tensión insoportable. Pero demasiado bien lograda.
Los símbolos están presentes en todo momento. Cada plano, cada imagen, cada palabra quiere decir algo. Todo está por algo y todo tiene sentido. Nada se le escapa al guionista y el director supo reflejar todo lo que el público necesita para involucrarse en la historia.
Llama mucho la atención la perfección en ese sentido y la unión que existe en la historia.
Si uno piensa que después de ver el final, todo el tiempo te estuvieron dando pistas importantes de lo que ocurría, y uno no se daba cuenta, da una sensación superficial de tema de la venganza, pero no, el tema es mucho más profundo que ese. La venganza puede nacer de muchas razones, unas más intensas que otras, pero en este caso la venganza nace de una razón demasiado fuerte y poderosa y el nivel de violencia física tiene que ver con el nivel de intensidad de las emociones y la fuerza del dolor.
Hay muchos subtemas en esta película, y la gracia del cine es que cada espectador la puede interpretar como quiera o le puede llegar de distintas formas. A mi me llamó principalmente la atención la fuerza que tienen los sentimientos por otros lo que nos lleva a sacrificar todo y a entregarlo todo. Lo que nos mueve no es defendernos a nosotros mismos, sino que defender a los que más queremos. Y eso es lo importante en esta historia. Aquí el protagonista no estaba vengando su encierro, su rabia, su impotencia, sino que estaba vengando a los que sufrieron por perderlo.
Acá se exponen temas clásicos, de las tragedias griegas, como son la venganza, el sacrificio, el castigo, el poder, el amor. Pero cada uno de estos temas está tratado de una forma moderna, relacionada con lo que estamos viendo en el cine de hoy. Mucho lenguaje visual, buen uso del plano, y un montaje ágil. Se usa un lenguaje para contar una historia muy oriental pero muy universal a la vez.
Se podría decir que es la mejor mezcla de cine oriental de artes marciales con cine arte, cine de autor. ¡A derribar prejuicios!

BROKEBACK MOUNTAIN

2006-05-03T13:24:00.000-07:00

CINE
Después de mucho tiempo en cartelera, ví esta película que tenía ganas de ver desde antes de los Oscar, ya que siempre trato de ver las películas más nominadas antes de los famosos premios. Este año fue distinto. No pude ver nada antes de los Oscar, aunque después me puse algo al día y ví un par de películas ganadoras. Pero una de las más nominadas recién la vi. Me refiero a Secreto en la Montaña (Para variar horrible la traducción). Esta es una película dirigida por el gran Ang Lee y protagonizada por los notables Jake Gylenhaal y Heath Ledger. Lo mejor lejos son las actuaciones. La de Jake siempre me ha llamado la atención, sobre todo en las pelis más indies, pero lo de Heath fue demasiado la sorpresa. Es que realmente es impresionante su actuación. No hay duda de eso. Debería haberse ganado el Oscar, de todas maneras. Le pega veinte patadas a George Clooney. Su personaje es un típico vaquero reservado, machista, introvertido, duro, serio, trabajador que lo único que quiere es trabajar para ganarse unos pesos para mantener a su familia. Pero todo cambia cuando conoce a un hombre que le cambia la vida. Y le cambia la manera de ver la vida. Ese es el personaje de Jake. Se enamoran en medio de la montaña, en medio de sus solas jornadas de trabajo, donde estando frente el uno al otro terminan teniendo una relación pasional, y muy fuera de lo que ambos imaginaban. Las pasiones fluyen pero las emociones quedan estancadas. Pero quedan atrapadas en dos hombres que bajo una estampa dura y fría, logran crear y mantener una relación por más de 20 años. Incluso más de lo que les dura sus relaciones en sus vidas diarias Por que ésta no es una relación de la vida, es una relación especial que queda suspendida en el tiempo y en el espacio gracias a lo fuerte que resulta ser. Nada se puede hacer contra un sentimiento tan fuerte. Pero ellos luchan a su manera. De repente dan gana de gritarles que se la jueguen, que luchen por su amor. Da impotencia ver como algo tan fuerte queda un poco en el aire. Pero lo impresionante es la manera que lo mantienen en el aire, tanto tiempo, a pesar de todas las circunstancias de la vida y de todo lo que se les cruza en el camino.

La película se basa en imágenes. Algunas muy bien logradas, otras que parecen postales de Village, pero no importa, porque lo que quiere lograr el director es mostrar emociones a través de las imágenes, y no tanto de las palabras. Hay una imagen que me llamó especialmente la atención por lo bien compuesta y por la gran significancia que tiene. Ennis (Heath Ledger) se esconde detrás de un muro a llorar desconsoladamanente, pero bajo una sombra que solo le delinea la figura y de fondo un paisaje hermoso de las montañas. Lo que refleja esa imagen es que el siempre se está escondiendo y sufriendo muy en el fondo, muy en silencio.

Está bien logrado el paso del tiempo en algunos casos, aunque no siempre queda tan claro. En algunos momentos está de más parar en tantos momentos del transcurso del tiempo, ya que la idea se entiende después de un par episodios.

Es una película que trata con mucho esfuerzo de mostrar como la sociedad influencia tanto nuestras vidas, incluso influyendo en decisiones personales tan importantes, pero que no se pueden tomar por el miedo al rechazo de la gente. Sobre todo en el tan estereotipado mundo de los cowboys, un mundo machista, duro, fuerte y muy tradicional.

En algunos momentos se hace un tanto tedioso y un poco lento y la historia no se desarrolla mucho. No avanza y cae varias veces en los mismos conflictos. Lo reiterativo se vuelve agotador en ciertos momentos y eso hace que la película se caiga a veces.

La encontré buena, pero no excelente. Al final da un poco de pena, pero no tanta porque al nivel de emociones internas nunca llega la película. Podría haber sido más fuerte, más impactante, como por ejemplo, en Boy´s don´t cry, donde pasa algo parecido, en el sentido de que un amor entre dos personas del mismo sexo se ve enfrentado al rechazo de la sociedad y se vuelve un amor incomprendido y escondido. Pero en esta película protagonizada por Hillary Swank, se desarollan los conflictos de una manera mucho más cinematográfica y donde uno se involucra más intensamente en la historia. Se nota la diferencia en la mano del director.

Se podría decir que en términos generales es una película bien lograda pero que fue sobredimensionada en muchos aspectos.

LOS 3 GRANDES DE ESPAÑA

2006-04-10T11:51:00.000-07:00

EN LA ESTACIÓN MAPOCHO SE ESTÁ PRESENTANDO UNA EXPOSICIÓN DE TRES DE LOS MÁS GRANDES PINTORES DE ESPAÑA. FRANCISCO DE GOYA, PABLO PICASSO Y JOAN MIRÓ.

EL QUE MENOS ME GUSTA DE LOS 3 ES GOYA. Y SU OBRA ERAN MÁS QUE NADA ILUSTRACIONES. TODAS TENÍAN TEMÁTICAS OSCURAS, Y UN POCO IRRACIONALES. MUCHO CAOS, DESGARRO, DESOLACIÓN, FUERZAS QUE CHOCAN. LAS COLECCIONES PRESENTADAS SON "TAUROMAQUIA", "LOS CAPRICHOS" Y "LOS PROVERBIOS". ESTA ÚLTIMA FUE LA MEJOR A MI GUSTO YA QUE CADA GRABADO TENÍA UN PROVERBIO QUE ESTABA MUY BIEN LOGRADA, ALGUNOS CON UN POCO DE HUMOR E IRONÍA.

PABLO PICASSO ESTABA CON OTRAS TRES COLECCIONES QUE NO TIENEN NADA QUE VER CON LAS GRANDES OBRAS DE ESTE FAMOSO PINTOR ESPAÑOL. NINGUNA ERA DE LAS QUE RECONOCEMOS TODOS. TAMBIÉN ERAN MUCHAS ILUSTRACIONES, DIBUJOS Y ALGUNAS PINTURAS. HABÍA UN TEMA RECURRENTE EN LA MAYORÍA DE SUS OBRAS QUE ES EL EROTISMO. SU TALENTO ES ÚNICO PERO ESPERABA MÁS DE LO MEJOR.
SUS COLECCIONES SON "CELESTINE", "LE COCU MAGNIFIQUE" Y "BARCELONA SUITE" LA QUE A MI GUSTO ES LA MEJOR.

EL TERCER PINTOR ESPAÑOL PRESENTE EN ESTA EXPOSICIÓN ES MIRÓ, QUIEN CON SU TALENTO Y PERFECCIÓN NOS MUESTRA GRANDES OBRAS QUE SON MUY REPRESENTATIVAS DE SUS GRANDES Y FAMOSAS PINTURAS. EL COLOR ESTÁ PRESENTE EN TODAS SUS OBRAS Y LA COMPOSICIÓN ES PERFECTA, CON UN EQUILIBRIO IMPRESIONANTE. MUCHOS PIENSAN QUE ES FÁCIL PINTAR AL ESTLO MIRÓ PERO NO ES LLEGAR Y TIRAR UN PAR DE PINCELADAS, YA QUE CADA ELEMENTO TIENE UNA LÓGICA EN EL ESPACIO Y CADA COLOR ESTÁ POR ALGO. LAS FORMAS Y LOS COLORES TIENEN UNA RAZÓN Y EL RESULTADO ESTÁ LOGRADO DE MANERA ÚNICA. LA ABSTRACCIÓN NO ES TAN ASÍ YA QUE CADA ELEMENTO ES UN SÍMBOLO Y LAS TÉCNICAS UTILIZADAS CON EL ÓLEO SON RESUELTAS ARMONIOSAMENTE EN EL CUADRO. ME ENCANTÓ. SUS COLECCIONES SON "UBI ROI", "LAS PENALIDADES DEL INFIERNO" Y "EL MARTILLO SIN DUEÑO". A MI GUSTO ESTAS DOS ÚLTIMAS SON LAS MEJORES. CON COLORES MÁS PUROS, MÁS VIVOS. HABÍA UNA UNIDAD MUY MARCADA EN CADA UNA DE SUS COLECCIONES LAS QUE HACEN QUE LAS OBRAS SE PAREZCAN MUCHO O QUE TENGAN ELEMENTOS EN COMÚN, Y REITERADOS. GRAN TRABAJO, GRAN ARTISTA.

EL ANSIA

2006-04-10T11:22:00.000-07:00

EL VIERNES FUI AL ESTRENO DE "EL ANSIA". NO HAY NADA COMO LOS ESTRENOS Y SIRVEN MUCHO PARA HACER UN BUEN ANÁLISIS. ES UNA OBRA ESCRITA POR LA TAN POLÉMICA SARAH KANE, UNA DRAMATURGA INGLESA QUE SE TERMINÓ SUICIDANDO A LOS 28 AÑOS DESPUÉS DE ESCRIBIR OBRAS MUY POTENTES, ENTRE ELLAS, ÉSTA.
CUENTA CON LAS EXCELENTES ACTUACIONES DE TITO BUSTAMANTE, CLAUDIA CABEZAS, PABLO VALLEDOR Y LA SIEMPRE SORPRENDENTE KATHERINE SALOSNY. DIRIGIDA POR CONSTANZA BRIEBA.
LA OBRA TRATA SOBRE EL DOLOR, EL SUFRIMIENTO, EL AMOR, LA PEDOFILIA, LOS ABUSOS SEXUALES Y DE LA ANGUSTIA. SON MUCHOS TEMAS QUE VAN FLUYENDO EN UN "CUADRÓLOGO", ES DECIR UN MONÓLOGO PERO ENTRE 4 PERSONAS QUE EXPRESAN SUS DOLORES PERO EN UNA FORMA MUY POCO VISTA QUE ES DEL TIPO "PIN PON", DONDE COMIENZA EL MONÓLOGO DE UNO Y ES INTERRUMPIDO POR OTRO PERO QUE SIGUE CON LA IDEA PERO LA CONTINÚA CON SUS PROBLEMÁTICAS Y ASÍ, LUEGO SIGUE EL OTRO Y TODO EL TIEMPO ES UN PIN PON DE FRASES CORTAS, PALABRAS O TEXTOS MÁS LARGOS, INTERRUMPIDOS POR OTRO DE LOS PERSONAJES. A VECES SE VUELVE UN POCO COMPLICADO DE SEGUIR, CONFUSO, PERO LOGRA EXPRESAR VARIAS IDEAS, EMOCIONES, SITUACIONES EN UNA SOLA GRAN MANIFESTACIÓN DE DESGARRO.
CADA PERSONAJE SUFRE Y ESTÁ RELACIONADO CON ALGUNO DE LOS OTROS PERO NO SE EXPLICA BIEN CUÁL ES LA RELACIÓN REAL O CUÁLES SON LOS CONFLICTOS CONCRETOS PERO POR LA MANERA COMO SE VA DESARROLLANDO LA OBRA Y VA PROGRESANDO SE VAN ENTENDIENDO MÁS COSAS Y SE VA ARMANDO EL PUZZLE. PERO ES UNA OBRA COMPLEJA, FUERTE.
DURA 1 HORA PERO ES JUSTO EL TIEMPO QUE SE NECESITA PARA PROCESAR LOS TEXTOS Y ENTENDER LOS CONFLICTOS INTERNOS DE LOS PERSONAJES. MÁS TIEMPO HUBIESE SIDO MUY AGOTADOR PORQUE EL TEATRO DE SARAH KANE ES POTENTE Y MUCHO TIEMPO SE HACE MUY FUERTE PARA EL ESPECTADOR.
ESTA ES LA SEGUNDA OBRA QUE VEO DE ELLA. LA PRIMERA FUE PSICOSIS 4.48 QUE DIRIGIÓ ALFREDO CASTRO HACE UN PAR DE AÑOS Y ESA ERA TREMENDAMENTE ANGUSTIANTE Y AGOTADORA. DEMASIADO FUERTE. EN CAMBIO "EL ANSIA" TIENE TEMÁTICAS MUY FUERTES COMO SON EL ABUSO SEXUAL Y LA PEDOFILIA PERO ES TRATADO BAJO EL PUNTO DE VISTA DEL DOLOR DE LOS PERSONAJES MÁS QUE LLENDO DIRECTO AL HECHO EN SÍ. LO QUE VEMOS ES UNA EXPRESIÓN DE DOLOR EN TODAS SUS FACETAS Y BAJO 4 PUNTOS DE VISTA DISTINTOS. EL DE UN PADRE, EL DE UNA NIÑA, EL DE UNA MUJER Y EL DE UN HOMBRE. LOS 4 PERSONAJES ESTÁN TODO EL TIEMPO EN ESCENA SENTADOS FORMANDO UN CUADRADO Y NO SE MUEVEN DE AHÍ. Y EL TEXTO VA FLUYENDO DE UNO EN OTRO Y SE ARMA UNA UNIÓN ENTRE LOS DIÁLOGOS MUY ESPECIAL.
LA OBRA ESTÁ MUY BIEN ACTUADA. EL MONÓLOGO DE TITO BUSTAMANTE ES IMPRESIONANTE. ADEMÁS SOBRESALEN LAS SIEMPRE NOTABLES ACTUACIONES DE PABLO VALLEDOR Y CLAUDIA CABEZAS.
LA ESCENOGRAFÍA ES UNA MEZCLA ENTRE MINIMALISTA Y KITSCH Y TIENE MUCHO EN COMÚN CON LA DE PSICOSIS CON LAS AMPOLLETAS. MUY BIEN.
MUY BIEN LOGRADA.

EL ARTE DE LA FOTOGRAFÍA 2

2006-04-07T13:38:00.000-07:00

EL ARTE DE LA FOTOGRAFÍA

2006-04-07T13:29:00.000-07:00

FUGA

2006-04-05T13:22:00.000-07:00

ME GUSTARÍA EMPEZAR POR DECIR QUE FUGA ES UNA GRAN PELÍCULA CHILENA. MUY PRETENCIOSA, MUY GRANDE, PERO LOGRA SUS PRETENSIONES EN CASI UN OCHENTA POR CIENTO. ME GUSTÓ. PERO HUBO DOS COSAS QUE ME CHOCARON MUCHO. PERO PRIMERO QUIERO HABLAR SOBRE LA PELI Y LO QUE SI ME GUSTÓ.

ELISEO MONTALBÁN ES UN MÚSICO JOVEN Y MUY TALENTOSO. EN LA NOCHE DE SU GRAN ESTRENO MUERE SU PAREJA MIENTRAS TOCA EL PIANO. ESTO SE REMONTA A SU NIÑEZ CUANDO MUERE SU HERMANA AL SER VIOLADA SOBRE UN PIANO PERO LO MÁS FUERTE ES QUE EN AMBAS SITUACIONES SUENA DE FONDO LA RAPSODIA MACABRA, LA GRAN OBRA MUSICAL DE MONTALBÁN. EN ESE MOMENTO SE EMPIEZA A VOLVER LOCO Y TERMINA EN UN SIQUIÁTRICO, MIENTRAS UN ARGENTINO LE TRATA DE ROBAR LA OBRA. ESO ES LO ESENCIAL.

LA MÚSICA ES UN PERSONAJE MÁS, QUIZÁS EL MÁS IMPORTANTE. LAS ACTUACIONES EN GENERAL ESTÁN MUY BIEN, PERO HAY MUCHO PERSONAJE QUE TIENE TAN POCO DESARROLLO QUE DE REPENTE ESTÁN DE MÁS. ES MÁS QUE NADA UNA GALERÍA DE GRANDES ACTORES, PERO NO DE GRANDES PERSONAJES.

EN EL FONDO CADA VEZ QUE SE TOCA LA RAPSODIA MACABRA MUERE ALGUIEN, LO QUE TERMINA POR PERTURBAR A MONTALBÁN DE TAL MANERA QUE SU LOCURA ES ATORMENTADORA.

LA UNIDAD ES LA MÚSICA Y CLARAMENTE ES EL HLO CONDUCTOR.

PABLO LARRAÍN, EL DIRECTOR LOGRA UNA GRAN OPERA PRIMA, PERO EL GUIÓN ES DEMASIADO DE MATERIA UNIACC. SE NOTA MUCHO QUE SIGUIÓ AL PIE DE LA LETRA LAS CLASES DE GUIÓN DE AUDIOVISUAL PORQUE TIENE LA ESTRUCTURA EXACTA A CÓMO DEBEN SER LOS GUIONES.

EL ARTE ES LEJOS LO MEJOR, MARAVILLOSO, IMPERANTE, UN APORTE AL ARTE EN EL CINE CHILENO. ESO NOTABLE, AL IGUAL QUE LA MÚSICA.

LO QUE NO ME GUSTÓ FUE EL ARMADO, EL MONTAJE. LOS TIEMPOS NO CALZABAN.

LA PELÍCULA EMPIEZA CON MONTALBÁN ARMANDO EL ESTRENO CON SUS MÚSICOS Y MIENTRAS TANTO APARECE EL PERSONAJE DE GASTÓN PAULS ROBÁNDOSE LAS PARTITURAS....DESPUÉS SE DA CUENTA QUE LE FALTA UNA PARTE Y EMPIEZA A INVESTIGAR. LLEGA A DONDE EL DR QUE LO ATIENDE EN EL SIQUIÁTRICO Y LE DICE QUE PUEDE QUE ESTÉN EN EL HOSPITAL QUE ESTÁN DESTRUYENDO, LO QUE DEJA ENTREVER QUE MONTALBÁN ESTUVO HACE MUCHO TIEMPO INTERNADO PERO NO ES ASÍ. CUANDO LLEGA AL HOSPITAL Y ENCUENTRA LA PARTITURA EN LA PARED QUE SE ESTÁ CAYENDO A PEDAZOS SE ENTREMEZCLA CON EL ESTRENO DE LA OBRA. LO QUE EN ESE MOMENTO PARECIERA QUE EL ESTRENO FUE HACE MUCHO TIEMPO. DE AHÍ PAULS CONTRATA UNOS MÚSICOS PARA ARMAR ESTA OBRA Y SE SIGUEN ENTREMEZCLANDO LAS IMÁGENES CON MONTALBÁN EN EL SIQUIÁTRICO. MÁS ADELANTE LO ENCUENTRA CUANDO YA SE FUGA DEL HOSPITAL PERO LO QUE NO SE ENTIENDE ES EL CUENTO DE LOS TIEMPOS. CÓMO PUEDE SER QUE PASE TAN POCO TIEMPO ENTRE QUE MONTALBÁN SALE DEL SIQUIÁTRICO Y SEA DESTRUÍDO Y EL TIEMPO EN QUE YA NO ESTÀ EN EL SIQUIÁTRICO Y PAULS LOS ENCUENTRA, LO QUE PARECIERA QUE FUE MUY POCO TIEMPO. LA VERDAD ES QUE NO CALZA. ESO ES MUY RARO. COMO QUE LAS DOS HISTORIAS QUE FUNCIONAN PARALELAS TODA LA PELÍCULA SE JUNTAN EN UN MOMENTO EN QUE NO ENCAJAN LOS TIEMPOS DE LOS TRANSCURRIDO.

OTRA COSA QUE NO SE ENTIENDE ES POR QUÉ MONTALBÁN ES INTERNADO POR SUS PADRES EN UN SIQUIÁTRICO CON ESAS CONDICIONES TAN PRECARIAS, UN HOSPITAL EN PÉSIMO ESTADO. NO SE ENTIENDE SI SE HACE REFERENCIA QUE EL PADRE DE ELISEO ES UN MINISTRO CON MUCHA PLATA. CUÁNDO SE HA VISTO QUE GENTE CON TANTA PLATA META A SUS HIJOS EN UN HOSPITAL ASÍ Y NO EN UNO DE LOS TANTOS RECINTOS QUE HAY EN EL SECTOR PRIVADO. ESO CLARAMENTE ES POR QUÉ ES MÁS "BONITO" EN PANTALLA Y PARA OLBIGAR UNA SUPUESTA "CRÍTICA SOCIAL" AL SISTEMA DE SALUD PÚBLICA EN CHILE. ESO ESTÁ TOTALMENTE DE MÁS Y NO ENCAJA EN LA HISTORIA.

LA PELÍCULA SE DESTACA MÁS POR SU IMAGEN, LA DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA ES EXCELENTE, LOS EFECTOS, LA ACTUACIÓN DE VICUÑA Y DE ALFREDO CASTRO (COMO UN LOCO GAY) LA DIRECCIÓN DE ARTE Y SOBRE TODO LA MÚSICA. PERO EL GUIÓN Y EL MONTAJE FLAQUEAN.

A PESAR DE ESO ENCUENTRO QUE ES UNA PELÍCULA MUY BIEN LOGRADA, CON ESCENAS MEMORABLES, LAMENTABLEMENTE LE ENCONTRÉ UN GRAN DEFECTO QUE ME HIZO NO PODER CUMPLIR LAS EXPECTATIVAS QUE TENÍA. LO QUE VENDE ES SU IMAGEN Y ESO ESTÁ MUY BIEN EN ESTA PELÍCULA. NADA QUE DECIR. VIVA EL CINE CHILENO!

PARÉNTESIS

2006-03-28T12:19:00.000-08:00

DVD

Se podría decir que Paréntesis es un paréntesis en el cine chileno. Es un respiro. Pero no me refiero a que el cine chileno es cansador ni monótono, porque hemos visto que en los últimos años se ha ido diversificando mucho y ya no es lo mismo ni toca siempre los mismo temas. Si no que me refiero a un respiro en términos de guión, de estructura, de puesta en escena. Esta es una película que es tan simple que encanta. Y su mayor complejidad recae en el montaje, que siento que está de más y que trata de adornar algo que es maravilloso en su simpleza y que no necesita más.

La historia es una que le puede pasar a cualquiera y que uno ve en mucha gente. Es tan normal que la identificación ayuda mucha en la complicidad que se genera. Un hombre (Francisco Pérez Bannen) que lleva una vida no muy entretenida, más bien monótona, que tiene una polola (Sigrid Alegría) y que se supone que lleva una vida bastante normal y plana, se ve enfrentado a algo que lo lleva una profunda depresión. Su polola le pide un "paréntesis" en la relación, un tiempo, un receso, por una semana. Que puede ser nada pero que al final le cambia la vida para siempre.

La semana empieza como un infierno pero de a poco va cobrando vida gracias a la aparición de una mujer extremadamente especial. Es una joven de 16 años (Carolina Castro) que aparece reiteradamente en el camino de Camilo (Pérez Bannen) y que luego se topan literalmente y nace una relación demasiado única y especial. Caminan, vagan, no hablan mucho, sólo lo justo y necesario pero se necesitan y se entienden, cada uno en su mundo, pero unidos por los momentos. El necesita esa sencillez y ella necesita compañía. Nada más y nada menos. Lo pasan bien con las cosas más simples y son felices juntos, a pesar del complejo mundo interior que ambos llevan y que les complica la existencia. Esa semana es lo que Camilo necesitaba para decidir que quiere de la vida. Qué es lo que de verdad lo hace feliz. Y se da cuenta que esta niña inocentona y simple que se le cruza en el camino es lo que logra abrirle los ojos.

No se llega a profundizar más allá si lo que se produjo entre ellos dos fue una conexión especial entre dos personaas perdidas en la vida o si fue amor. Pero no es necesario ese dato. Ya que lo que nos deja es mucho más y que las relaciones especiales no tienen por qué ser algo sentimental amoroso. Puede ser amistad, o puede no tener nombre. Pero a Camilo le sirvió para darse cuenta qué es lo que en verdad quiere en la vida y qué es lo que necesita para ser feliz.

El guión de Francisca Schweitzer y de Pablo Solís es tremendo, es potente y gracias a eso se puede lograr una película tan grande como esta. También ayuda el hecho que los mismo guinostas son los que dirigen la película y filman lo que sienten y eso se nota.

Los personajes están demasiado bien hechos, por ejemplo el de Luis Gnecco que sin palabras dice mucho más que lo que uno se puede llegar a imaginar. Las actuaciones se complementan con lo bien escritos que están los personajes y eso dice mucho. Sin grandes pretensiones esta película logra mucho. Conmueve, involucra al espectador impresionantemente.

Lo único que yo le habría sacado, aparte del montaje tecnológico que siento que fue de más, es Sigrid Alegría, que no me gusta como actriz. Me parece que no modula y que tiene los mismos tics en todas las películas y que no se mete en los personajes que interpreta. No convence.

Lo que me deja esta película es que la simpleza es mucho más que la abundancia y que las cosas simples de la vida son las que nos hacen felices. Aunque suene cliché, pero siento que es así. Sobre todo en este tipo de cosas y en los momentos de la vida que son momentos pero son grandes. Y no se olvidan. Gran peli.

CIRQUE DU SOLEIL

2006-03-22T13:48:00.000-08:00

Anoche fui a ver un espectáculo como pocos, pero uno que muchos han estado comentando. Fui al famoso Cirque Du Soleil a ver "Saltimbanco". Es circo, es teatro, es danza, es música. Es un espectáculo completísimo de 3 horas de duración (incluyendo un intermedio de media hora) pero que se pasa volando. Es entretenido, es bonito, es como perfecto. La verdad es que hace muchos años que no iba al circo, y tal como dice el nombre de la compañía es un circo pero es demasiado especial. No es cualquier circo. Todo es perfecto. Desde la producción hasta el talento de sus artistas. Hay de todo. Malabarismo, danza, acrobacias, humor, coreografías perfectas, y música en vivo. El sonido es perfecto, o sea, técnicamente no hay nada que decir.
El vestuario y escenografía son preciosos, coloridos, entretenidos. Y el público pasa a ser parte del espectáculo, no sólo observadores. Involucran al público todo el tiempo lo que a veces deja la duda si las personas que eligen para hacerles una broma o para participar en alguno de los números, son galleteados o es todo improvizado. Porque la verdad es que es impresionante como la gente se involucra y se mete en las rutinas como si fuera lo más natural del mundo, y eso hace reír. El espectáculo en sí es entretenido.
Los artistas son todos secos. Pareciera que fueran de mentira porque todo les sale perfecto.
Muchos números son hechos en parejas y esas parejas son iguales, parecen mellizos. Todos los detalles influyen. Mientras unos hacen las acrobacias siempre está pasando algo en el escenario. Si hay acción en el aire en el suelo algo está pasando. Todo se une y junto al grupo que hace la música, se complementa todo en el escenario y eso lo hace tener una unidad dramática durante todo el transcurso del show que se asemeja al teatro.
Está de más decir que hay que ir a ver "Saltimbanco" porque no siempre tenemos el honor de recibir a una compañía de este tipo y de este nivel de talento. Se nota la unión que hay entre sus miembros y como se logra la perfección en el espectáculo gracias al complemento de las distintas rutinas y de los artistas.

CRASH

2006-03-15T07:24:00.000-08:00

Crash, de Paul Haggis es una película que no sólo se merece todos los premios que se ha ganado, incluído el Oscar, sino que merece quedar en la memoria colectiva como un ejemplo de buen cine. Es una película completa.

Primero quiero destacar el guión excelentemente escrito por Haggis y con un montaje de lujo. Hace mucho tiempo que no veía una película tan bien realizada. La idea es clara. La película queire dejar un mensaje evidente sobre la discriminación, principalmente hacia la raza negra, pero pasando por los chinos, latinos y paisanos. Y la traducción al castellano "Vidas Cruzadas" es demasiado evidente. En el fondo lo que se refleja es cómo los buenos terminan siendo malos y los malos, buenos. Cómo uno que solía discriminar con todo a las minorías, termina por defenderlas, y los que defendían a los negros les sale de adentro la rabia, el miedo y van aflorando los sentimientos de rechazo. Entonces no sólo nos deja el claro mensaje sobre la discriminación en todas sus facetas, sino que nos muestra como el ser humano es tan vulnerable a las situaciones extremas que terminan por poner poner en manifiesto la verdad intrínsica de los valores como son. Una persona es lo que es cuando se enfrenta a situaciones extremas donde la fuerza por sobrevivir pone al descubierto los valores más internos.

Lo otro que me encantó fue como se fueron entrelazando las distintas historias de estos personajes de mundos a veces muy parecidos, y otras, de mundos muy distintos, pero que se ven enfrentados a 2 situaciones principales donde en una tienen que defender y en otra se tienen que poner a atacar, o viceversa. las dos situciones son extremas pero los hacen enfrentar los dos polos, uno del deber ser y el otro lo que uno es. Desde que termina la primera situación conflictiva hasta que aparece las segunda, suceden hechos que le abren los ojos a los personajes de una u otra manera, pero que a todos los termina por poner en la situación contraria. Sea mejor o peor.

Las actuaciones son sobresalientes, por lo que el premio al mejor elenco es más que merecido. Es un elenco muy heterogéneo, pero muy complementario. Cada actor interpreta de manera impresionante su personaje, lo que produce que a uno como espectador lo llene de rabia, de alegría, de pena, de dolor, de todas las emociones. Uno se involucra y se puede llegar a poner en sus zapatos porque las situaciones están planteadas desde ese punto de vista, donde los hechos son claramente explicados y uno puede llegar a entender por que esa persona actuó de esa manera, a pesar de no compartir sus valores o formas de actuar o pensar. Eso es lo que llama la atención, ya que pocas películas que quieren dejar mensajes tan claros como ésta, lo hacen tan tolerantemente, y tan abiertamente, donde cada uno puede juzgar o no, pero teniendo todos los antecedentes necesarios.

Es una película con muchos detalles que son demasiado importantes y los mensajes abundan.

Tiene mucho de Magnolia, de hecho en la escena donde el tipo se baja del auto en la noche y empieza a nevar y suena una canción de fondo, y se empieza a fundir con tomas de todos los personajes post shock, es muy similar a las escena final de la película de PT Anderson donde caen los sapos mientras suena Aimme Mann de fondo y los personajes cantan parte de la canción, mientras se van fundiendo las escenas. Ambas son películas corales, con historias paralelas pero entrelazadas y con personajes con dramas potentes.

Otras escena muy parecida es la Tom Cruise en Magnolia. El es el rudo, mientras sufre por su padre que está agonizando. En Crash, Matt Dillon es el rudo que sufre por su padre que agoniza. Esos sufrimientos son los que sacan a relucir las rabias más profundas.

Para terminar quiero analizar por qué una película como Crash gana el Oscar, y no Magnolia. Magnolia es una película independiente, pero tan buena y potente como Crash. Por un lado agradezco que la Academia le esté dando cabida a este tipo de cine, pero por otro me da rabia que películas tan parecidas sean tratadas tan distinas. Lo bueno es que tal como Magnolia pasó a ser parte del referente del cine mundial, espero y me imagino que va a pasar lo mismo con Crash.

Notable. Impresionante.

SYRIANA

2006-03-05T12:43:00.000-08:00

PELÍCULA

Syriana es una película que ha sido muy comentada. Una de las razones es que está nominada a los premios Oscar en muchas categorías. La otra es por tratarse de un tema que ha sido siempre polémico que es el conflicto por el petróleo entre Irán y Estados Unidos.

Es una película actual, dirigida por Stephen Gaghan y producida por Steven Sodebergh, que dirigió Ocean´s Eleven y Traffic. Esta película tiene mucho de Traffic, desde lo oscura de su trama hasta el estilo audiovisual que se utuliza, en el montaje y en dirección. Pero no llega al nivel de Traffic. Ni cerca.

Es protagonizada por George Clooney (versión decadente) que encuentro que es uno de los actores más sobrevalorados de Hollywood. Su actuación es simple para un personaje fuerte, potente que tiene objetivos claros pero su escasez de texto requiere de una actuación visual, expresiva, potente, pero no lo logra. No se entiende que hace, por que actúa de esa manera, cuáles son sus objetivos personales como personaje de hacer lo que hace, qué lo mueve, qué lo motiva. Para ese personaje se requiere de un actor extremadamente talentoso que lleve el peso dramático de una manera que provoque. Clooney no produce nada, cero empatía. Cero pasión.

Lo bueno fue que el resto del elenco es potentísimo. De partida está Chris Cooper uno de mis actores favoritos (se merecía el protagónico), Christopher Plummer, Matt Damon y Amanda Peet (una de mis actrices favoritas) entre otros grandes.

La película es complicada, oscura, enredada. Pero su complejidad no sólo es a partir del guión, sino que la cámara y el montaje ayudan en esta mezcla de imágenes (que es lo que trata de imitar de Traffic) pero el desorden y la confusión son demasiado exageradas y no tiene sentido aplicar esos mecanismos en una película con estos temas tan complejos en sí. Mucho.

Syriana es una película coral, pero no en su totalidad. Hay muchas subhistorias que todo tiene que ver con el conflicto del petróleo. Muchos personajes unidos pero muchos que no tienen nada que ver, y su aporte sólo logra desviar la atención del conflicto principal.

Una empresa se une a otra y pasan a ser los gigantes petroleros en Estados Unidos, mientras en Irán el rey tiene que decidir a qué hijo deja a cargo del país. Uno está en contra de Estados Unidos y en aportar con su petróleo al mundo y el otro está dispuesto a llegar a una buena negociación con el gobierno norteamericano, todo esto con el apoyo de un asesor gringo interpretado por Matt Damon. Mientras tanto la CIA manda a un agente a interceder y todo lo que pasa entre las estrategias de los gringos y los conflictos en medio oriente con la sucesión del rey y el aprovechmiento de su petróleo como poder económico en un país con muchos problemas es lo que va produciendo el conflicto en la historia y la interacción de las distintas estrategias, negociaciones, con los objetivos muy distintos pero poco claros de cada uno de los personajes.

Es una película que podría haber sido mucho mejor lograda pero optaron por realizarla bajo un estilo confuso y una mirada muy oscura, con violencia, tortura y mucho drama.

Hay que concentrarse mucho en cada detalle, en cada diálogo para poder entender cómo funciona ese mundo y para poder entender bien lo que mueve a a estos hombres poderosos para hacer lo que hacen. Es un drama potente, crudo, y muy complejo. Bajo el poder siempre hay algo oscuro. Eso es lo que se puede resumir de esta historia.

ISLA DE PASCUA

2006-03-03T12:22:00.000-08:00

Al llegar a Rapa Nui, la sensación es impresionante. Uno siente que llegó a una parte del mundo lejana (a pesar de ser 5 horas de vuelo desde Stgo), desconocida, media inhóspita, entre el Caribe y la India. Eso es lo que pasa, uno se encuentra con una isla paradisíaca con aire limpio, mar turquesa, vegetación colorida, paisajes preciosos, impactantes en medio de un mundo que le está abriendo paso al turismo. Por otro lado está la mística del lugar, lo autóctono de su gente, la cultura, la tradición, los ritos, las fiestas, lo que parece estar en medio de un país en medio de Asia. ¡No de Chile! En ningún minuto sentí estar en Chile. No por lo lindo que es sino porque es demasiado distinto en todo sentido, desde las costumbres, hasta las personas que habitan la isla. La calma y la paz se sienten a cada instante.
En poco tiempo logré conocer muchos de los lugares más turísticos, donde nos llevaban los tours, y quedé impresionada con todo. Me llamó la atención tanta belleza natural, tanta historia, y tanto que ver. Me quería quedar más tiempo, porque sentía que era demasiado poco (4 días), y a pesar del tamaño de la isla, es demasiado lo que hay para visitar, conocer, y descubrir. Me faltó interactuar más con los nativos, conocer más sobre sus vidas en esa isla en medio del Pacífico. No me quedó claro si se sentían más polinésicos o más chilenos.
Cada vez que me encontraba con un nuevo moai me impresionaba más, no quedaba chata de ver tantos como mucha gente me comentó. Quería ver más y quería entender los fenómenos que hicieron que hace tantos años personas como nosotros, pudieron llegar a construir con sus propias manos esas estatuas de piedra tan perfecta, inmensa y con todo un sentido especial.
Cuando el guía nos explicaba como hacían los moai en los volcanes, los tallaban y cuando estaban listos los llevaban a la orilla del mar y los subían a los Ahu (altares) con un sistema muy complejo, que se les rompía todo en el camino y por eso quedaban botados en el camino. ¿Por qué hacían este trabajo enorme para que después se fueran despedazando en el camino?. Le pregunté al guía que por qué no se llevaban la piedra al Ahu y la tallaban ahí mismo. Me dijo que no se sabía, pero lo más probable es que tenía un sentido místico, espiritual o algo por el estilo, para tener que crearlos en el volcán.
Lo que me llamó la atención sobre eso fue que las personas en esa época vivían en base a razones muy espirituales, llevados por ritos, mística, o por el Mana (poder especial). No vivían en base a lo racional o a la inteligencia. Y siendo así lo que lograron y lo que crearon fue mucho más allá.
Lo que los seres humanos creamos hoy en día con la inteligencia, que se destruye fácilmente, no prospera, la tecnología cambia todos los días, todo pasa rápido, todo se desecha. En cambio lo que fue creado bajo un poder místico, espiritual sigue por años y años, y se vuelve intocable, pasa a ser parte de la cultura de un pueblo y queda y muchos podemos observarlos y admirarlo.
Lo que me llegó en la isla fue más que mirar un paisaje hermoso o conocer un lugar nuevo. Fue demasiado especial lo que me pasó. Me emocioné mucho, al darme cuenta que mi papá había sido clave en la expansión del turismo y cómo muchos hablaban de su obra con mucha admiración. Me refiero a la extensión del aeropuerto en el año 87 lo que hizo posible que llegaran muchos más aviones, por lo tanto, más turismo y más ingresos al pueblo.
Me impactó ver una playa paradisíaca, con mar turquesa, arena blanca, palmeras y con un Ahu con moais en plena playa. Fascinante. El mar era tan salado que uno flotaba y observaba los moai con el cielo azul intenso de fondo. Me podría haber quedado horas sin cansarme de mirar ese paisaje y de disfrutar del relajo y de la paz que se sentía en ese lugar tan real, con tanta historia y tan impresionantemente bonito.
Me dieron ganas de aprender mucho sobre la cultura Rapa Nui. Una cultura con muchos ritos y tradiciones y una historia interesantísima. Para eso me faltó más tiempo también. Sería un sueño poder vivir ahí. En el fondo es no dejar Chile pero a la vez vivir en el paraíso. Perfecto.

ORGASMOS

2006-03-03T12:19:00.000-08:00

TEATRO

Orgasmos es una obra de teatro que se está presentando en el Alcalá, con la actuación de Remigio Remedy y de Lorene Prieto.
Sorprende ver a este par de actores en una obra tan mínima, tan básica, tan ridícula, y tan extremadamente comercial.
Esta obra es el ejemplo de lo que es el teatro comercial chileno, más parecido a un sketch televisivo que a una obra que fue llevada a Broadway y que fue muy exitosa en teatros muy respetados del mundo. Eso es lo que me cuesta entender, porque lo que yo ví fue un chiste repetido después de otro, una clásica broma de la diferencia de sexos tras otra. Nada nuevo.
Después de que salió el libro “Los hombres son de Marte, las mujeres son de Venus”, han salido una y otra vez chistes de este tipo. No me causan gracia a estas alturas cuando en todas partes se cae en lo mismo y ya no tiene la gracia que tenía hace 20 años o 10 años atrás cuando la mujer empezó a ponerse los pantalones y a enfrentar las relaciones de pareja desde una perspectiva distinta, más pareja, logrando cada vez más la igualdad que tanto se aspira a tener.
En pleno año 2006, y a punto de tener a la primera mujer presidenta de la República, no estamos como para seguir con las tallitas de que las mujeres nos gusta producirnos y nos demoramos en salir y que los hombres no entienden lo complicadas que somos las mujeres. Ellos siempre simples y nosotras siempre complejas. Personalmente creo que esa talla ya pasó de moda y cada vez la cosa se está dando más vuelta y las mujeres nos estamos simplificando y los hombres se están complicando. No es tema para una obra de teatro de hoy. No me dio risa, no me causó gracia y me sentí en plena década de los 80 presenciando la novedad del año por la impresión que me causó como se reía la gente por tallas que ya no tienen gracia y que no son ninguna novedad.
Debo admitir que me reí en una parte donde nadie se rió excepto una amiga con la que fui a ver la obra….cuando Remedy exclama “Qué penito” refiriéndose a lo triste del tamaño de su pene. En la escena suena muy chistoso y fue lo único que me hizo reír, y mucho. Pero fue la forma en que dijo esa frase, tan simple pero divertida.
La escenografía era tan básica, pero no era mínima, era exagerada, y parecía sacada de un sketch de colegio de los hijos de los actores, era ridícula. Como que quería ser didáctica pero como que fue demasiado descarado el ahorro de presupuesto en esa área. Muy mal.
Y por último me quiero referir al título de la obra. Ese título fue claramente para atraer gente y con un sentido comercial porque no tiene nada que ver con la obra, con los textos, sólo en una escena se refieren al orgasmo pero no es como para ponerle el título a la obra completa así. Eso es aprovecharse de un nombre que de por sí atrae y llama la atención. Cero desarrollo al tema del orgasmo en sí. Cero sentido.

CASADA CON BUDA

2006-03-03T12:16:00.000-08:00

NOVELA

WEN HUI

Wen Hui es una joven escritora china que con esta novela se consolida como una de las mejores escritoras sub30 que existen. Yo soy una fanática de sus novelas y me tragué sus 2 novelas. La primera fue un éxito mundial llamada Shangai Baby y en China fueron quemados miles de libros por considerarse una obra provocadora y la censura barrió con ella. Pero ella siguió vendiendo y siguió haciéndose famosa con sus novelas que son demasiado realistas y seductoras. Es fascinante la manera que tiene para escribir y para relatar sus vivencias que son muy entretenidas.
Con Shangai Baby se consolidó con una escritora brillante y la novela me cautivó. Era una autobiografía, sobre su vida en Shangai mientras escribía y le iban ocurriendo situaciones con sus amigos y sus parejas.
En esta, su segunda novela, ella se va a vivir a Nueva York, una ciudad tan cosmopolita como Shangai, pero para mi más real, más visual, ya que la conozco. Sus relatos son tan reales que en Shangai podía crear en mi cabeza los lugares pero en Casada con Buda, los lugares eran tan reales que me sentía ahí.
Cada capítulo está muy bien desarrollado con un comienzo claro, un desarrollo completo y entretenido y con un final que daba pie para querer comenzar a leer el siguiente capítulo con más ganas aún, y seguir descubriendo su mundo, su vida en pareja, su vida de escritora en una ciudad que no era su pueblo, pero que se sentía parte. Ella se empezó a meter en ese mundo, y conoció a una persona que la hizo sentirse parte y que se complementaban de tal manera que daba la sensación que esa historia no iba a terminar (a pesar que en la contraportada decía que ella conocía a otra persona) porque ella narra sus aventuras con tanta pasión que uno se involucra de tal manera que impresiona.
La historia que ella narra sobre su vida podría ser la de cualquier persona, aunque con más recursos que los que tiene una mujer de 29 años común, pero con un realismo y una cercanía que llegan. Wen Hui te logra emocionar, te acerca a su mundo de tal manera que te hace ser partícipe de su vida, de su mundo.
Hay relatos que con descripciones detalladas te insertan en sus emociones, sensaciones, sentimientos. Te hacen vivir con ella lo que ella está viviendo, lo que está sintiendo. Eso es fuerte porque hay emociones que son realmente intensas y uno pasa a involucrarse mucho. Eso hace que uno siga leyendo y no quiera que se termine.
Por otro lado el libro se parece mucho a la serie “Sex and the City”, de hecho hace referencia constante a esta serie gringa. En el fondo la novela se trata de su vida pero para ella su vida sexual y su pareja son importantísimos por lo que las situaciones que narran, envueltas en el entorno de Nueva York, se asimilan mucho a las historias que le pasaban a Carrie Bradshaw y a sus 3 amigas. De hecho al comienzo de cada capítulo ella hace citas con frases. Algunas tienen que ver directamente con la historia, con el capítulo o con las temáticas que ella aborda en su novela, pero otras no tienen relación pero son frases llenas de historia y de contenido en sí mismas. Muchas veces cita a Carrie Bradshaw. Se nota su influencia en la novela. La escritora que escribe sobre sexo, y sobre sexo en la gran ciudad de Nueva York, rodeada de vida nocturna, carrete, amigos y hombres que las tratan de seducir constantemente.
En las citas que hace también hay de escritores famosos, o de frases de películas, pero la que más me llamó la atención fue una de Pablo Neruda. De Chile a Shangai y de Shangai a Nueva York. Impresionante.
En resumen, recomiendo 100% esta novela. Es auténtica, a pesar de las influencias, es la mano de una joven escritora inconfundible, que narra experiencias propias pero haciendo partícipe al lector de todo e involucrándolo con sus experiencias y sentimientos. Es una gran novela. Muy rápida y entretenida. Obviamente no es ni pesada, ni fuerte ni muy profunda. Es para leer algo liviano y entretenido.

H

2006-02-06T17:07:00.000-08:00

H es una adaptación de la famosa Hiroshima Mon Amour de Marguerite Durás. La verdad es que la original no la leí, pero esta obra me conmovió mucho. No puedo comparar, pero con lo que vi me bastó para visualizar la original. La verdad es que me mantuvo atenta, intrigada, y todo el tiempo me dediqué a apreciar los textos, y las excelentes actuaciones de los 2 protagonistas. Fue fuerte, de hecho quedé muy impactada en varias escenas, pero me llegó mucho, me impactó y me remeció.
El texto es bonito a veces y otras es fuerte e impactante, y durante el trasncurso de la obra hay una progresión dramática evidente y nunca decae. La intensión está clarísima y el impacto es real. Luz Valdivieso me impresionó con el manejo de la voz, con el nivel de entrega en el escenario, con la veracidad que le da a su personaje y con la fuerza que entrega en cada uno de sus movimientos.
El único pero es un tercer personaje que creo que pudo haber sido obviado fácilmente, dejado fuera, o simplemente quizás no entendi su importancia en la historia. Creo que de a dos personaje la tensión es más intensa, más fuerte.
Esta obra es de esas que te llegan de verdad, que te dejan pensando en la historia y adaptándola a la realidad de nuestra vida, a las circunstancias que conocemos o que nos han contado muchas veces en nuestras vidas. Es unan obra completa con una excelente dramaturgia y actuaciones potentes, intensas.

Roberto Zucco

2006-02-06T16:59:00.000-08:00

Segunda obra vista esta año, y también parte del Stgo a Mil. Una obra compleja, grande, sustancial, potente. El mayor atractivo y enganche es la cantidad de buenos actores y todos muy conocidos por ser del mejor grupo de actores del medio teatral. Impresionate, se nota la improtancia que tienen las actuaciones en teatro. Fue lo que más me llamó la atención. Aparte de la manera de coreografiar las escenas de una manera tan bella y perfecta. Mérito del excelente director Víctor Carrasco. El texto llega pero no es lo más fuerte. Lo fuerte es el montaje en sí. Esta obra sí que es teatro, es arte. Es completo, ordenado, impecable.
El contra es que es tremendamente larga y muchas veces es lenta. Muchos duermen y obviamente si el texto fuese sorprendente, intenso, precioso, no pasaría eso. Me mantuve concentrada lo que más pude pero no se puede estar más de 2 hrs con ese nivel de concentración que esta obra requiere. Eso es lo difícil y lo que impide que uno la disfrute en su totalidad.

Soy Profesora de Danza Contemporánea y me estoy volviendo loca

2006-02-06T16:50:00.000-08:00

Esta obra la vi hace un par de semanas en el Festival Stgo a Mil. Fue el estreno y el lugar de la cita era el Centro Mori. Quizás por eso o por lo que significa "El Hijo", había mucha gente del mundo teatral en la sala, desde actores, farándula, hasta gente que sabe de teatro de verdad. Eso se notaba. Habían muchas expectativas y la obra no fue una lata, todo lo contrario. Me entretuve mucho, pero habían muchas falencias que me sorprendieron ya que me esperaba un nivel superior en esta compañía. La dramaturgia no era suficientemente consistente, escrita por Alejandro Moreno y la protagonista no tenía la voz que se exige para hacer un personaje de ese peso dramático, Alejandra Riquelme, y eso influyó mucho en el resultado final de la obra. Tenía personajes que estaban pero no. Tenían sus conflictos pero casi en su totalidad son poco sustanciales y poco desarrollados, incluso el conflicto principal que es el que lleva el drama de la protagonista, la profesora de danza contemporánea, que por el título, uno debiera pensar que se vuelve loca, pero no está suficintemente desarrollada y profundizada esa locura y no se llega a entender. Sólo muy superficialmente. Un personaje me llamó la atención, el de Paula Bravo, que era el que tenía el conflicto más claro, mejor desarrollado y más expuesto. El resto de los personajes son sólo relleno, sobre todo el de los 3 hombres. Nada nuevo bajo el sol.

Javi

2005-10-12T10:47:00.000-07:00

Javi y yo en el MAMPATO!!!
(1983)